ВЛАДИКАВКАЗСКИЙ КОЛЛЕДЖ ИСКУССТВ ИМЕНИ В. А. ГЕРГИЕВА
К О Н С П Е К Т
ОТКРЫТОГО УРОКА С ПОКАЗОМ КЛАССА
НА ТЕМУ:
«ВОСПИТАНИЕ ТВОРЧЕСКОЙ САМОСТОЯТЕЛЬНОСТИ
В КЛАССЕ ОБЩЕГО ФОРТЕПИАНО»
Преподаватель
Калманова Н. Е.
(стихи защищены авторским правом 19.04.18 г.)
Владикавказ – 2018
Фольклор или «народная мудрость» выступает как поэтический образ в сказках, песнях, танцах и различных обрядах. «Уровень культуры эпохи определяется отношением к прошлому» (А. С. Пушкин). Народное искусство – это прошлое, живущее в настоящем и устремленное в будущее.
С целью воспитания творческого роста молодых специалистов-музыкантов и приобретения ими навыков самостоятельной работы мы обратились к произведениям с ярким фольклорным уклоном как к форме, дающей возможность лучше проявить навыки самостоятельной работы студента. Для того, чтобы студенты более качественно подошли к работе, были взяты нетрудные произведения, соответствующие уровню подготовки студентов разных отделений. В концерте принимали участие студенты В, Д, Э, Дх, Н отделений – всего 14 человек. Обращение к ансамблевым формам исполнения над конкретным произведением способствовало более интересной творческой работе, так как студенты работали во всех направлениях (исполнительском, литературно-теоретическом, поисковом ) не в одиночку, а в паре. С целью приобретения навыков самостоятельной работы использовалась поисковая ситуация, при которой студент обязан был найти соответствующий теоретический материал и выбрать из него наиболее яркие характерные моменты, касающиеся стиля произведения, его мелодики, ритмики, тональности, интонационного склада. Кроме того, студентам предлагалась возможность раскрыть в устной форме характерные особенности национального костюма для более яркого восприятия эпохи и стиля произведения. Для этого был выбран женский костюм, так как он наиболее точно передает национальные особенности. С целью передачи более полного музыкального представления студентам было предложено подобрать характерные для того или иного произведения инструменты для воображаемого и реального сопровождения. С этой целью студентами использовались как интернет технологии, так и книжная информация. Все это оформлялось в виде устного сообщения или наглядного пособия.
Преподаватель счел нужным включить и прочесть собственный поэтический текст, выстроенный хронологически по эпохам, сконцентрировано и эмоционально передающий те или иные жанровые особенности или особенности эпохи, характерные для конкретно изучаемых произведений, как личный авторский пример творческого подхода. Поэтический текст усиливает эмоциональный эффект, придает выразительность и яркую образность, способствует более глубокому пониманию исполняемого произведения. Кроме того, параллельное включение литературного текста, касающегося исполняемого произведению, самостоятельно найденного и оформленного студентами, воспитывает у них умение контролировать свою речь и способствует развитию музыкально-артикуляционной выразительности. Артикуляция речи связана с артикуляцией музыкальной. Как правило, студент, имеющий невнятную разговорную речь, так же невнятно выражает себя и в музыкальной артикуляции, поэтому умение выразительно подавать текст дает ему возможность улучшения своих артикуляционных недочетов. Работая над выразительностью артикуляционной речи, студент переносит эти навыки и на музыкальную артикуляцию.
Включение шумовых инструментов развивает тембровый слух, музыкальную фантазию. Правильно подобранная тембровая окраска способствует более яркому раскрытию художественного содержания произведения.
Мы провели сравнительный анализ всех национальных песен и танцев, которые были взяты для анализа. Это особенности фактуры, особенности лада, особенности мелодического развития, особенности формы. Кроме того, не только был дан устный сравнительный анализ национальному костюму каждого исполненного произведения, но и высказана самими студентами инициатива практического акварельного изображения национального костюма, характерного для того или иного танца или песни. Костюмы, выставленные студентами, были нарисованы акварельными красками. Однако для развития художественного вкуса мы использовали красочные костюмы, выполненные художниками-профессионалами.
Наш открытый урок был выстроен по следующему принципу: показать движения эпох. Мы начали с белорусской национальной культуры, так как в ней сохранились наиболее архаичные черты, связанные с обрядовостью, как в искусстве, так и в одежде. Затем мы рассмотрели эпоху Средневековья сквозь призму французской народной песни, перехода от Средневековья к зарождению идей Просвещения посредством немецких народных танцев и к эпохе Возрождения через итальянскую народную песню. Для большей контрастности и наглядности мы включили произведения тюркских и восточных народностей на примере армянских, татарских и китайских танцев или песен.
Хронология эпох и оформление исполняемых произведений отражены в программе открытого урока, представленной ниже.
Луч солнечный альбом на миг облюбовал
На фоне старого дремавшего рояля.
Вдруг свежий ветерок страницы все перелистал,
И весело фольклора краски заиграли.
ПРОГРАММА ВЫСТУПЛЕНИЯ
1. Белорусский народный танец «Бульба»
исп. Акоев К. (III В)
Тадевосян Т. (II В)
2. Французская народная песня «Пастушка»
исп. Османова К. (I Э) (Уртаев Г. I В)
Каркусов Г. (I Н)
3. Л. Бетховен «Немецкий танец»
исп. Османова К. (I Н)
Оганесян Э. (III Д)
4. Итальянская народная песня «Санта
Лючия»
исп. Тoласова А. (III В)
Гапбаева М.( III В)
5. Д. Аракишвили. Армянский народный танец «Узундара»
исп. Дигоева И. (III Дх)
Хубулова Д. (III Дх)
6. Е. Славинский. Татарская народная песня
q № 19
исп. Наниева Ю. (II В)
Туккаев Г. (II Э)
7. Китайская народная песня
«Золотой цветок» № 36
исп. Темирова Н. (II Н)
Плиева А. (II В)
БЕЛОРУССКИЙ ТАНЕЦ «БУЛЬБА»
Белорусские девчата – сноровисты и умны,
За полесьем, за дубравой хаты – чистые углы.
В них заботливые руки вышивают льном и ткут,
Славят осень золотую, да и «бульбочку» пекут.
Почему одежды белы? – Может аистов прилет
Сделал с божьей благодатью белокрылым весь народ?
В праздник мы добавим сами маленький цветочек льна,
Вышьем стебелек потоньше – взорам явится Весна.
Красное Ярило-солнце, дай богатый урожай
И орнамент оберегов красной нитью выжигай!
Побежали вокруг юбки яркой ленточкой круги,
Из-под юбки заплясали тонкой кожи сапоги.
Кружевным дыханьем нежным фартук маленький парит,
С рукавов сорочки точно все узоры повторит.
Легкой ласточкой летает женский головной платок,
Кличет Ладушка-богиня: «Прилетай же, голубок».
Где скажите нам, девицы, с влажным кровом островов
Ледниковые болота дремлют в дымке облаков?
Где деревья-великаны удивляют высотой
И жемчужина-криница с изумрудною водой?
«Нет, мы лучше вам покажем не возвышенный покой,
А движением расскажем о любви к земле родной».
И-их! И тройкой по команде понеслись во все концы
Кто направо, кто налево озорные сорванцы.
«Пока солнцу до зенита еще очень далеко
Мы покажем как, играя, урожай собрать легко.
Для начала каждой тройкой образуется клубок,
А затем и круг побольше – весь орнамент как цветок.
Будто на бескрайнем поле солнце, ветерок с небес,
То колонной, то шеренгой трудовой идет процесс.
Отрываются пружинно ноги, кисти – в кулаках,
Здесь - посадка, там – прополка, и ботва уже в руках.
Скрипка весело играет, и цимбалы, и дуда,
А гармонь плясать заставит даже старый пень пруда.
Юбки кружатся в «воротцах» – деревенская резьба,
И частушкой пронесется «бульба» – полька и судьба.
Наиболее глубинно в сравнении с народностями восточных славян обрядовая тематика выражена в белорусском фольклоре, несмотря на то, что как народность белорусский этнос сформировался в 14-16 вв. Это было связано с тем, что длительное время белорусский фольклор был малоизвестен, так как редко выходил за пределы деревни. В деревенском быту в зимнее время были широко распространены посиделки, которые не обходились без танцев. Музыкальным сопровождением танца служили скрипка, бубен, дуда, цимбалы и гармонь. Часто танцы сопровождались пением частушек, что придавало танцу еще более жизнерадостный характер.
Белорусский народный танец «Бульба» (сборник Н. Любомудровой. Хрестоматия для ф-но. 1класс) готовили студены 3-го и 2-го курса вокального отделения – Акоев Кермен (3В отд.) и Тадевасян Тамара (2 В отд.). Для исторического понимания танца «Бульба», мы со студентами обратили внимание на то, что это веселый танцевальный народ. Его характер отражен наиболее ярко в танцевальном искусстве. В танцах всегда разыгрывалась какая-то игровая история или ситуация. Например, танец «Ленок» имитирует этапы выращивания льна, а «Реченька» имитирует движения животных, «Журавель» - птиц. Как и многие танцы, танец «Бульба» пришел из глубины столетий. Это такой вид искусства, в котором история народа, будни и праздники запечатлены яркими художественными образами. Для того, чтобы понять корни белорусской музыки, студентам было предложено изучить культуру восточных славян с помощью интернета или литературных источников. Совместно обсуждая исполняемые произведения, студенты открывали для себя то, что музыка имеет яркие самобытные традиции. Это колядные, масленичные, жатвенные и свадебные. Из предложенных традиций, было отмечено, что «Бульба» относится к жатвенным традициям. Студенты знакомились с белорусским деревенским бытом, в частности, с такой терминологией белорусской культуры, как «чистые углы» - это способ кладки деревенской хаты, бульба – картошка (как основная сельскохозяйственная деятельность в белорусской деревне). Студенты знакомились с мифологией Белоруссии, которая сохранила древние общеславянские корни и отдельных мифологических персонажей, таких как языческие боги Ярило и Лада – богов, связанных с земледелием, солнцем, весельем, праздниками, сватовством. Ввиду более глубокой корневой структуры белорусской музыки, мифы белорусских персонажей гораздо богаче мифологических персонажей русских, украинцев и поляков. Образами богов и духов белорусы наполняли всю окружающую их среду – от земных недр до высокого неба.
Так как мы рассматривали женские костюмы, то музыкальные произведения рассматривались с точки зрения женского костюма. Изучение и представление о женском белорусском костюме привело к использованию такого термина как «оберег». Большинство элементов белорусского костюма – символично. Прежде всего, это льняная сорочка, юбка, фартук, как оберег. Студенты узнавали, что оберегом могут быть не только предметы, но и вышивка и материал одежды. Например, такой материал, как лен. Белое льняное полотно ассоциировалось с божьим светом, выполняло функцию оберега, поэтому белорусский старинный костюм – это, прежде всего, костюм белого цвета. Не только материал, но и украшавший костюм орнамент, который зародился очень давно, имел символ оберега. Вначале в орнаменте преобладал красный цвет, затем постепенно вышивка расцвечивалась, но энергетическую связь оберегов с окружающей средой, которой следовали белорусские предки, четко использовали в орнаменте костюма. Эта энергетическая связь орнамента прослеживается и в обязательном условии повторения узора рукава и на фартуке женского костюма. Использование определенного цвета и строгое повторение орнамента объединяло весь образ в единую композицию.
«Бульба» – массовый танец. В нем участвуют одни девушки. Танец демонстрирует трудовой процесс, связанный с посадкой и обработкой картофеля. Ритм танца – пунктирный, характерный для жанра польки. Танец «Бульба» - это пример того, как можно с легкостью относиться к утомительной работе и расслабиться в задорной пляске. Музыкальный размер 2/4, четкий точно установленный рисунок. Пары с бесчисленными комбинациями создают сложные узоры, схожие с цветочным орнаментом. Танцовщицы то сходятся в круг большой, то разбиваются на несколько маленьких, то выстраиваются в колонны, то перестраиваются в шеренги с бесчисленными комбинациями. Для белорусского танца «Бульба» характерны притопы, бег с прыжком «галопы», веревочки, «переступания», движения «полечка» и т.д. Танец – легкий, живой, стремительный. В нем ощущается бескрайнее поле, ласковое солнце, невесомый ветерок. Основная черта танца – искрометная веселость, радость и непосредственность.
СТАРИННАЯ НАРОДНАЯ ПЕСНЯ «ПАСТУШКА»
Легко и беспечно играет пастушка,
От скуки свирель спасает подружка.
«Гуляйте свободно, овечки и кошки»,-
Болтают беспечно разутые ножки.
С ветерком долетит танцевальный мотивчик,
Башмачки в стороне – их увидит счастливчик.
Он, миленький, ей посвятит пасторель,
Румянятся щечки, услышав ноэль.
В мелодии этой - простая душа,
Всего в ней две строчки, а как хороша!
Как рондо она все звучит и звучит,
Милашка кудряшки в ладошке ютит.
С волос соскользнула пастушечья шляпка,
Котенок забавно шалит ею лапкой.
Холщевая юбка, шнуровка под грудью,
В сукончатом фартуке – белые грузди.
Волан оплетает кокетливо низ,
Наряд незатейлив, но очень цветист.
Рельеф провансальский в кантилене ландшафта:
Вдали монастырь – полифонии капля.
Мелодия движется просто, красиво,
Равнинный покой – источник и сила.
Серьезность манер – ах, какая нелепость!
Ведь так далеко монастырская крепость!
«Гуляйте свободно, овечки и кошки», -
Болтают беспечно разутые ножки.
От Сены к Луаре бродячие клерки
Разносят ноэли в раскрытые дверки.
Цветы, соловьи, винограда лоза,
Свобода, любовь и восторг, и слеза!
К концу 11 в. произошел перелом в средневековой жизни Западной Европы – закрепился феодальный строй. Средневековое общество разделилось на 3 сословия: духовенство, крестьянство и рыцарство. Между ними шла постоянная борьба. Каждое сословие имело свой культурный мир. Тем не менее, культурные пласты разных сословий тесно взаимодействовали между собой. На основе порабощения крестьян возникают феодальные поместья, образуется класс аристократии, возрастает роль рыцарства. Во времени средневековой Европы помимо мрачного фанатизма и невежества, было нечто иное: полнокровная жизнерадостность, утонченная роскошь и изысканность жестов и слов. На фоне воинственного скрежета мечей рождалась томная любовная песня – начало романтического чувства, преобразовавшего мир мечты. Всю эту эпоху характеризует невиданный расцвет лирической поэзии, науки, музыки и, главное, необратимый поворот к гуманизму, закрепленный впоследствии Возрождением. Любовь считается не как привязанность, а как искусство, веселая наука. Расцвет народной песни был также связан и с праздниками в замках, церковными праздниками, которые вызывали к жизни бесчисленные песни в установившейся форме.
В процессе устного разбора музыкального произведения французской народной песни «Пастушка» с целью создания достоверного образа, связанного с особенностями эпохи, студенты искали корни фольклорных традиций Средневековья в истоках французской народной песни.
Народная музыка представлена как в творчестве трубадуров (весенняя поэзия), так и в творчестве бродячих «разносчиков культуры», жонглеров и разного рода «бродячих клерков». Французская народная песня «Пастушка» имеет отношение как к народной лирике трубадуров, так и к «бродячей». Поэтому мы можем наблюдать в ней как черты пастореля, так, например, и черты метаморфозного жанра ноэль, который способен менять свои рождественские настроения на самые неожиданные сатирические, любовные и юмористические темы. Изначально ноэлями назывались рождественские песенки, но так как они могли описывать любые житейские события, позже ноэлями стали называть все песни житейского характера. Широко бытовавший в народе жанр ноэля (колядовая песня) иллюстрирует его, казалось бы, врожденное свойство откликаться на события дня, что входило в противоречие со все более застывающими концепциями «ученой музыки». Но, тем не менее, и псалмы часто распевались на самые популярные светские мотивы, иногда сатирического характера. Что же роднит французскую народную песню «Пастушка» с жанром ноэля? Это, прежде всего, одноголосность мелодии, жизнерадостность характера, подчеркнутая кадансировка и рефренообразность концовки. Мелодия заканчивается так, что ее хочется повторять снова и снова, что и было предложено студентами - провести тему в разных регистрах.
Причина господства одноголосья в Средние века – в необходимости неразрывной связи напева со стихотворным текстом. Отсюда требование прозрачности, большой гибкости и чуткости интонирования (напевность, гибкость, рельефность мелодики). Ритм напева определялся метром соответственного стиха. Эти приемы были характерны для народной музыки. Лирика трубадуров восходит к фольклорным песням и обрядам, прежде всего, весенним. С другой стороны, несомненно влияние искусства любви: трубадуры создали модель любовного переживания, изобразив любовь как высокое томление по идеалу. Отрицательное отношение «весенней» лирики к браку легло в основу целой теории любви. Весенняя радость стала синонимом поэзии и музыки. Так возникла куртуазность, первыми выразителями которой были трубадуры Прованса. В это время формируются новые жанры, такие как рондо, баллада, канцона, пастурель – песня, изображающая беседу рыцаря и пастушки. Французская народная песня «Пастушка», несомненно, связана с пасторальными настроениями. Обычная для пасторали обстановка: рыцарь, печально размышляющий на лоне природы, неожиданно встречает девушку, пасущую овец или коров, и завязывает с ней любовный разговор. Пастораль – жанр не столько социальный, где встречаются представители разных миров, сколько жанр противопоставления двух взглядов: с одной стороны куртуазного, с другой – системы общепринятых здравых представлений о жизни. Причем трубадур, обращающийся по-куртуазному с пастушкой, почти всегда терпит поражение. Обыкновенно рыцарь беседует с пастушкой на языке чувственной любви, считавшимся единственно возможным при обращении с женщиной низкого звания. Существовало и другое ответвление пасторели – разговор трубадура с пастухом. Разнообразие форм можно наблюдать как в рафинированной лирической поэзии трубадуров, так и в анонимной архаической народной песенной поэзии. Среди них были так называемые «женские песни», посвященные разочарованию и мукам любви, пасторали, написанные в форме стихотворного песенного диалога, в которых рыцарь старается соблазнить хорошенькую пастушку весенней песней, воспевающей любовь и пробуждение природы. Провансальские трубадуры создали 2 формулы любви – одна высокая (выражением высокой любви выступала любовная песня канцона) и низкая любовь, которой соответствовала лирическая пьеса пасторелла, и которая могла закончиться соединением рыцаря и пастушки или вмешательством друга (пастуха) или жениха хорошенькой поселянки, который с ватагой дружков прогоняет властолюбивого рыцаря.
Созданные трубадурами поэтические символы (любовь, соловьи, розы) создали основу для появления итальянской ренессансной лирики «сладостного нового стиля». Специфический мотив французской идиллии – принадлежность к разной вере и их разный социальный статус. Эта ситуация разрешалась в пользу любви, а не религиозных и социальных норм. Таким образом, эта лирика во всех своих разновидностях утверждала внимание к внутреннему миру человека, его личности, чувствам, переживаниям вне сословной принадлежности. Трубадуры-профессионалы вели большей частью бродячий образ жизни. Более талантливые пристраивались в качестве придворных поэтов. Трубадуры в значительной мере использовали народную песню, приспособляя ее к аристократическим вкусам. Мелодии песен строятся на коротких, повторяющихся мотивах, которые мастерски связаны друг с другом, что производит впечатление длинной, постоянно меняющейся мелодии, чему способствует звучание старофранцузского языка с его длинными гласными и мягкими в пении согласными.
Таким образом, французская народная песня «Пастушка» отличается характерными для этого жанра чертами – типичностью и жизнеспособностью мелодии. Простой и запоминающийся лад, наличие четкого тематизма, превалирование и закрепление мажора, подчеркивание основных опорных функций лада, наличие затакта и принцип рефрена, использование активных интервалов, как восходящая секста, кварта в конце каждой фразы связывают песню «Пастушка» с фольклорными формами французской песни. Вторая партия фортепианного ансамбля – это инструментальное сопровождение, которое представляет собой своего рода расцвечивание основного напева. Частичное дублирование в инструментальной партии (II партия) основной кантиленной темы (I партия), проходящей в голосе, является предтечей «подголосочного многоголосья». Эти приемы были характерны для народной музыки.
Таким образом, был разработан комплекс выразительных средств и становление музыкальной письменности, хотя о профессионализации говорить еще было рано. Изучение музыкальной культуры феодализма дает возможность установить ведущую роль народной музыки, которая передавалась путем устной традиции и выражала чаяния народных масс под игом феодально-крепостнической эксплуатации.
Дополнительное значение в отношении инструментального музицирования можно признать за музыкальными инструментами. Они как бы поддерживали и закрепляли своеобразие общего содержания и средств выразительности народной музыки. Такие как, виола (виела)– смычковый струнный инструмент, самый благородный и самый сложный для исполнителя. Звучала негромко, но очень мелодично. Постепенно наряду с виолой (виелой) начинают появляться различные духовые, щипковые, смычковые и ударные инструменты. Пение перестает быть единственным музыкальным языком. Из одноголосья с аккомпанементом рождалась полифония. Несмотря на то, что песни были полифонического характера, но сохраняли народный язык и принятую в ту пору форму рондо. Песни и танцы той эпохи были тесно связаны с выражением радости и веселья. Начиная с 12 столетия, появились свирели, завезенные с востока. Снабженные 2-мя язычками, они издавали сильные и чистые звуки, сопровождая праздники, устраиваемые на свежем воздухе. К той же семье духовых инструментов принадлежит появившаяся позже волынка, состоявшая из резервуара, сделанного из овечьей кожи. Волынка – традиционный музыкальный духовой инструмент многих народов мира. Имеет вид бурдюка, сверху трубка для наполнения меха воздухом.
Родиной новой моды 13 в. стали Италия и Франция. И это не случайно, т.к. именно здесь был центр средневековой рыцарской культуры, идеалы которой отразились на женской и мужской моде. Во время крестовых походов тоска по родине и воспоминания о доме придавали образам далеких женщин те «неземные» черты, которые во многом определили культ Прекрасной Дамы. Отношения между мужчиной и женщиной, сложившиеся под влиянием этого культа, стали первым публичным признанием за женщиной человеческих прав, первой значительной данью уважения. Это новое отношение к женщине распространилось по всей Европе и оказало большое влияние на положение женщины в обществе. Культ Прекрасной Дамы противостоял влиянию церкви, учению о греховности плоти. Женский костюм позднего Средневековья подчеркивал женственность. Женская одежда стала менее закрытой, не скрывала формы фигуры, выявляла физическую привлекательность женщины. Появление делькоте в одежде отчасти объясняется протестом против учения церкви о греховности тела. Франция – страна изысканности и непревзойденного шарма. Костюм эпохи Средневековья отражал социальный статус человека, принадлежность его к определенной прослойке общества. Фасоны средневекового периода не отличались каким-либо разнообразием, покрой платьев и костюмов отличался лишь используемыми тканями. Богатые жители Средневековья носили яркие наряды, тогда как одежда бедных состояла из костюмов в серых, черных и коричневых тонах. Национальный костюм народа Франции зародился в среде крестьян. Чаще всего его шили изо льна, шерсти и холста. Из грубого шили одежду на каждый день, а самый тонкий шел на нижнее белье и праздничные рубашки, штаны, юбки. Цвета были самые распространенные: коричневый, белый и серый. В комплект национального женского костюма входила широкая длинная юбка, декорированная оборками, примерно до середины голени, и передник был немного короче и выполнялся из ткани светлого оттенка. Национальный костюм Франции у женщин обязательно дополнялся головным убором, «чепцом», поверх которого надевался платок или шляпа. Его носили не только на улице, но и дома. Рубашка или кофта с длинными рукавами застегивалась у ворота и подвязывалась передником. Женский костюм обычно дополнялся корсажем, он был и элементом праздничной одежды. Цвета использовались самые разнообразные, в том числе белый, голубой, красный. Черный в одежде можно было встретить очень редко. В целом французский костюм эпохи Средневековья отражал итальянские тенденции, хотя, безусловно, имел определенные национальные черты: романтизм, элегантность и чувство вкуса.
НЕМЕЦКИЙ ТАНЕЦ
Неведомо куда вели невидимые в обществе законы.
На самом дне страстей средневекового котла
Бродячий люд, культ церкви, власть короны,
Бесписьменной Европы мгла.
Гимнический характер песнопений
Причудливым орнаментом внушал
Народу чуждые воззренья,
Но разум просвещения вскипал:
«Германия – хранительница танцев!
Вернись к народной мудрой простоте,
За рамки круга величавых реверансов
К дуэта человечной красоте».
Гоненья церкви не достигли цели,
И «пляски смерти» вытесняла жизнь.
На ярмарочных площадях веселья
Народный расцветал патриотизм.
Поцеховые «трудовые пляски»
Ткачей, башмачников и косарей
Рождали новые движения и краски
Игрой мечей, гирлянд и обручей.
Под ритмы жизнерадостного бранля
И наблюдений опытных путем
Явилась шуточная полька-наковальня,
Как будто выкована кузнецом.
Степенный и задорный деревенский лендлер,
Пружинисто-скользящий шаг,
Чтоб башмаки подковами звенели
С крестьянским юмором – затакт.
Вот пары кружатся и хлопают в ладошки,
Изящно юбку приподняв с боков,
Дамы кокетливо показывают ножки
Под звуки труб охотничьих или рожков.
Германия, на ярмарках умельцев деловитых,
Правдоподобием движений поражая
И меткой зарисовкой быта,
Гордиться вправе, ты, богатым танцевальным урожаем.
Средневековая Германия отличалась эпохой танца. Господство церкви превращало танец в символ бренности человеческого бытия. Для эпохи средневековья было характерно острое чувство страха смерти, что отразилось в теме «плясок смерти» и запрете на светские забавы и зрелища. Но, тем не менее, танец бытовал повсюду в формах национального фольклора, проникал и в саму церковь. В светской среде закрепились виды «благородного» танца. Часто старинные песни и пастурели сопровождались танцами. Танцевальный материал заимствовался у народного творчества. Народные и «благородные» танцы скрещивались и влияли один на другой. Общей чертой была малая зависимость от музыки. Отдельные элементы оттачивались, смешивались и сталкивались, чтобы образовать новые движения и танцы и подготовить почву для новой эпохи. Подготовка шла издавна внутри различных зрелищ как светских, так и церковных. Пантомимно-танцевальная форма народных праздников и обрядов легли в основу нового танцевального искусства.
Средневековый танец во многом оставался импровизационным действом. Народ любил хороводы, но устойчивых правил танца не существовало. В эпоху позднего средневековья появляется различие между придворным парным танцем и деревенским групповым. В социальном плане водораздела тогда еще не существовало. Селяне могли подражать придворному танцу, а рыцари любили иной раз присоединиться к сельскому. Крестьяне отдавались танцу с ни с чем не сдерживаемой непосредственностью. Рыцари танцевали более строго, следуя придворному этикету. Народный танец по-прежнему был импровизацией, в то время как придворный танец все более становился манерным. Главной формой дворцового искусства был фигурный танец, где группа танцующих последовательно образовывала танцевальные построения. В эпоху Ренессанса театральный танец был связан с северной Италией и распространился по всей Европе. Постепенно сложился набор танцевальных приемов с рядом обязательных правил. Оживленный сельский танец уже не подходил дамам и кавалерам. Танец во дворцах терял народность и становился более театральным.
Для жизнерадостного народа танцы стали неотъемлемой частью празднеств и народных гуляний. Долгое время в Германии запрещались парные танцы, популярными считались хороводы, где цепочка то замыкалась, то размыкалась. Если при дворе были в основном медленные танцы, то танцы ремесленников были более веселыми. Существовали танцы косарей, дровосеков, ткачей, сапожников, кузнецов, бочаров. Во время танцев они использовали свои рабочие инструменты: обручи, гирлянды, мечи, - и ими успешно манипулировали. Танцы охотников и птицеловов возникли в старину. Маленькие рожки издавали высокий и чистый звук, были популярны на праздниках. Появились рожки с несколькими отверстиями, воспроизводящими более широкую гамму звуков и получивших название «охотничьих». Шуточные танцы имитировали повадки птиц: петуха, кукушки, ястреба. «Оружейные танцы» проводились на ярмарках и разных праздниках, где проводились соревнования горожан. Танцы были вращающиеся и цепочечные. Вращающиеся исполнялись на свадьбах, а цепочечные – это слегка подпрыгивающий шаг, исполнялся весело и походил на массовую игру. Лента танцующих образовывала спирали и круг, ловко проскальзывали через «воротца».
Основные танцы Германии – это были полька, лендлер («простоватый») и вальс. Они могли носить такие названия: полька – наковальня или марш лесорубов или изображали движения нитей ткацкого станка. В разных регионах были свои особенности и разновидности этих танцев. Помимо обрядовых, ритуальных, охотничьих и воинствующих танцев, немецкий народ знал и трудовые пляски. Долгое время они исполнялись под песню и часто иллюстрировали ее. «Степенный лендлер» – это крестьянский танец на три четверти. Лендлер – приемник более степенного менуэта. В танце было строгое распределение гендерных ролей: мужчинам разрешались возгласы, топанье ногами и хлопки руками. А девушки в это время кружились в изящном танце, кокетливо приподнимая юбки, чтоб показать свои ноги.
Ритмы и мелодии лендлера постепенно проникали в так называемую чисто инструментальную музыку. В произведениях композиторов венской классической школы лендлер фигурирует под названием немецкий народный танец и приобретает европейскую известность. Лендлеры – это хороводный танец, исполнявшийся на открытом воздухе. Лендлер переводится как «деревенский» танец. Лендлер имел много разновидностей. Они отличались друг от друга танцевальным рисунком и инструментальным сопровождением.
Немецкий народный танец стал не только обычным развлечением для людей, но и послужил вдохновением для великих композиторов-классиков. Особенно ярко проявились народные черты немецкого танца в творчестве Бетховена. Для примера возьмем «Немецкий танец» до мажор Бетховена, который написан в форме лендлера. Особенность мелодики немецкого народного танца Бетховена – это трубные сигналы, фанфары, призывные возгласы и маршевые обороты, динамизм развития. Ритм несет заряд мужественности, воли и активности. Непластичные, а резкие и смелые интонации, простые вертикальные аккорды основных функций, лаконичное использование аккордовых звуков. Размер «Немецкого танца» Бетховена в целом типичен для лендлера - это ;, умеренный темп, мелодия простая, песенная, форма простая двухчастная, репризная, 2 восьмитактных периода с повторением каждого, аккомпанемент – бас на первую долю и 2 аккорда на вторую и третью долю. Широкие интервальные скачки, чередующиеся с энергичной восходящей линией, как бы подчеркивали типические черты этого танца – широкие и свободные движения. В движении восьмых чувствуется скользящий шаг и повороты, вращения партнерши. В энергичных скачках на sf (сфорцандо) – притоптывание партнера, во второй части, еще более энергичной линии, угадывается одновременное кружение обоих партнеров в разных направлениях. Наличие стаккато в первой и во второй партии подчеркивает пружиннистость танца. Танец напоминает танец охотников и птицеловов, которые использовали свои инструменты: охотничьи рожки. Особенно во 2-й части народного танца передана интонация охотничьих рожков на сфорцандо. То, что танец не круговой, а парный угадывается благодаря ясности фактуры. Интересно, что долгое время подобные танцы подвергались гонению со стороны церкви, так как близость танцующих и соединение рук в лендлере объявлялись безнравственным и разрешались только на свадьбах.
Старинный немецкий женский костюм. Так же, как и во Франции, огромное влияние на формирование немецкого костюма оказала Италия. Люди с низким достатком не имели права носить красивую одежду по закону. Для их создания использовали самые дешевые материалы и допускали лишь серые и коричневые. Особенности ландшафта Германии тоже внесли свою лепту в формирование национального костюма. На равнине немцы носили наряд из льна. Не только климат, но и характер немцев повлиял на облик традиционного костюма. В отличие от других народов германская нация никогда не отличалась особым стремлением к роскоши. Для них привлекательность одежды заключалась в умеренной строгости и аккуратности. Декоративные элементы – вышивка и кружево – присутствовали в национальном костюме, но не считались главными. Их одеяния были нацелены на практичность. Одежду украшали вышивки цветочных мотивов, иногда геральдикой (родословными знаками). Фасон был свободным, движения людей не сковывались, широкий рукав и большая пройма делали одежду максимально комфортной. Белоснежная блузка, привлекательный сарафан, в состав которого входил корсет со шнуровкой и длинная юбка, фартук, Если бант на фартуке повязан справа – значит женщина в браке. А если слева – значит она находится в поиске отношений. Женщина-вдова завязывала бант посередине. У женщин на голове иногда были чепчики или чепец с широкими лентами, который носили замужние женщины, или соломенные шляпки.
НЕАПОЛЕТАНСКАЯ НАРОДНАЯ ПЕСНЯ
«САНТА ЛЮЧИЯ»
О, свежий дух, распахнутое солнце!
Монументальность, яркость, глубина!
Италия, огнем, подобно марафонцу,
Воспламенила разум ты, и спала пелена!
О, восходящая трехмерная эпоха!
Затмив средневековый аскетизм,
Провозгласила на едином вдохе
Свободу тела, форм и гуманизм!
Любви подобна - новая манера
В искусстве, музыке и пенье родилась
И сладострастным «дольче» разлилась
В полотнах тициановской Венеры.
О дух импровизаций! Прыгающим шагом,
Звенящим бубном пронесется тарантелла,
И заколышется разноголосым флагом
Шутливая по сути вилланелла!
Под солнцем юга щедрого лучами
Нарядно шалью девы плечи оплетут,
И краски яркими и сочными цветами
На юбках молодых красавиц расцветут.
Но вот пылает солнце на закате,
Лирический мотив из царства красоты
Поведает легенду о прекрасной Санте
Под плеск волны морской, без суеты:
«Создам я рая уголок, где все отражено,
И назову в честь вечно юной и святой Лючии,
И как бы люди на земле не согрешили,
Здесь все им будет тут же прощено».
И так благословенной Богом Санта стала,
Античные руины, парусник плывет,
О, чудо, как играет небосвод!
И вот - картина Сотворения предстала!
Укромен тихий монастырский дворик,
Покрытый майоликовой плитой,
А в бухте, словно в раковине моря,
Санта Лючии голос слышится живой…
Эпоха средневековья сменилась новой эпохой Возрождения. Раньше всего культура Возрождения возникла и развилась в Италии. Тому причины – благоприятные исторические предпосылки. Особое значение в становлении Возрождения имело падение Византийского государства, и бежавшие в Европу византийцы, взявшие с собой свои библиотеки, произведения искусства, содержавшие множества античных источников, неизвестных средневековой Европе, также являлись носителями античной культуры. Рост городов республик в Италии привел к росту влияния сословий, не участвовавших в феодальных отношениях: мастеровых и ремесленников, торговцев и банкиров. Всем им была чужда иерархическая система ценностей, созданная средневековой церковной культурой и ее аскетичный смиренный дух. Это привело к проявлению гуманизма – общественно-философского движения, рассматривавшего человека как свободную личность и высшую ценность. Новое мировоззрение обратилось к античности, видя в ней пример гуманистических неаскетичных отношений. А изобретение в середине 15 века книгопечатания распространило античное наследие по всей Европе. Философы Возрождения преклонялись перед разумом и творческой мощью человека. Улучшение человеческой природы через изучение античной литературы – краеугольный камень ренессансного гуманизма. Разум делает человека богоподобным. Искусство Возрождения опиралось на две традиции: на народную поэзию и книжную античную литературу.
Культура Возрождения (фр. Ренессанс) зародилась в Италии примерно в середине 14 века. Как и во времена римлян – это была эпоха, когда мир признавал превосходство Италии, а итальянцы играли заметную роль в истории развития цивилизации. Эпоха Возрождения является периодом перемен во всех областях искусства – живописи, архитектуре, скульптуре, музыке.
Эпоха Возрождения стала эпохой великих народных движений, подрывавших устои средневековья, возвещавших пришествие нового времени. Расцвет лирической поэзии и музыки начался именно с поэзии народных масс - крестьянских и городских, чувствовавших, как нарастают их силы и воздействие на жизнь общества. В эпоху раннего Возрождения прокатилась могучая волна народной поэтической песенности.
«Дольче стиль нуово» (ит. «сладостная новая манера письма) – это литературное направление, возникшее на грани Средних веков и Возрождения в крупных городах Италии. Многочисленные поэты 13-14 вв. представляли эту лирическую продукцию. Этот стиль характеризуется совершенно своеобразным разрешением центральной проблемы средневековой лирики, взаимоотношений «земной и небесной» любви. В то время как религиозная лирика призывала к отречению от плотского греха, поэзия восхваляет рыцарское служение даме, воспевает радость физического обладания. А вот поэзия «дольче» находит разрешение конфликта обоих мировоззрений. Образ земной владычицы не устраняется, но превращается в символ (Мадонна), в доступное человеческому восприятию воплощение божества. Поклоняясь божественной сущности, человек поклоняется богу, то есть земная любовь сливается с любовью небесной – так освещается любовь к женщине. Для этого стиля характерен величавый образ возлюбленной. Стиль «дольче» - это стихийная сила, ему свойственна искренность и загадочность выражения, поразительная яркость видения, лирические эмоции.
Так как мы мало знаем об устной песенной культуре Италии, поскольку первые ее образцы были записаны в позднее средневековье, то мы решили взять для иллюстрации итальянской народной песни - песню «Санта Лючия». Самым узнаваемым жанром народных итальянских песен является неаполитанская песня. «Санта Лючия» - это гимн жизни. Вначале она называлась «Баркарола», в переводе – песнь на воде, исполняется в неспешном темпе, музыкальный размер 6/8 и фактура аккомпанемента передают покачивание на волнах, а красивому исполнению мелодий вторят удары весел, легко входящие в воду.
«Санта Лючия» - песня лодочника, напоминает сонет Данте, где волшебная ладья скользит по морю, унося поэта с его мыслями о возлюбленной и в миг его скорби камни, сочувствуя опьянению великого трепета, кричат: «Умри, умри». Это культ мистической мадонны. Так сложились новые формы любовных отношений, чуждые феодальному строю, отсутствие в образе возлюбленной черт знатной дамы (синьоры) и вознесение ее путем сложной религиозной символики. Характерные черты нового стиля «дольче стиль нуово» проявляются в песне «Санта Лючия». Это интерес к человеческой личности, ее переживаниям, ее внутреннему миру, утверждение права личности на земное счастье, закрепление национальных черт (т.к. это было одно из первых письменных произведений на итальянском языке), новый характер интонационно-мелодического развития – плавность, гибкость, напевность, большая по сравнению с прошлым степень обобщенности мелодики «большого дыхания», что наиболее ярко передает человеческие переживания. Характер мелодики - свободный: употребляются ходы на увеличенные и уменьшенные интервалы, хроматические ходы, большая свобода темпа, введение более дробных длительностей. Ей также свойственна сложная символика образов, соединение светской и религиозной лирики, общая загадочность выражения, глубина, искренность лирических эмоций, поразительная яркость видения.
Итальянский народ уже тогда славился своей музыкальностью и вокальным искусством. К тому времени уже возникли разные жанры народно-бытовой музыки. К ним относятся, прежде всего, песни, такие как: лауды, фроттолы и вилланеллы. Лауды – это многоголосные хоровые песни ремесленника. Фроттолы – в переводе дословно «шутливая народная песенка, выдумка, болтовня, толпа, гурьба». Образы – любовные, шуточные, нравоучительные, ритм – танцевальный. Вилланеллы – в переводе «деревенская девушка», с динамичным острым ритмом. В припевах часто использовались текстовые подтекстовки «фа-ля-ля» или «дон-дон-дон». Лауды, виллонеллы, фраттолы отличались прогрессивным характером, демократическим содержанием - яркая мелодика, выделение верхнего голоса, элементы гомофонии и мажорный лад.
В Средние века художники были ограничены в своем творчестве, особенно в создании религиозных картин. Характерной чертой искусства были плоские одномерные картины, описывавшие, в основном, жизнь священников. В эпоху Возрождения в Италии возродился интерес к греческой и римской философии, литературе и искусству. Художники получали вдохновение, глядя на предметы античной греческой и римской культуры. Искусство этого периода прославляет красоту человеческой формы, часто изображая обнаженные фигуры, как на полотнах Тициана. Цвета - живые, привлекающие внимание.
Итальянское Возрождение в музыке воспело популярность народных песен, позволило перенести их в профессиональное искусство, идеологию гуманизма, независимости, признания индивидуальности и преобразования.
Музыкальное сопровождение пения или танца все более усложнялось и приобретало собственную мелодию, в отличие от простых аккордов, которые раньше лишь оттеняли основное действо. Состав музыкальных инструментов значительно расширился. К струнным и духовым добавились струнно-смычковые, поражающие красотой и благородством звучания: разного типа виолы. Среди щипковых главное место занимает лютня. Под аккомпанемент лютни исполняли песни. Постепенно возникли различные виды клавишных инструментов: клавесин, клавикорд, чембало.
Новый эстетический идеал – это не христианское смирение, а всесторонне, физически и нравственно развитая личность. Этот новый идеал выразился и в новых формах одежды. С человеческого тела было снято табу, наложенное церковью. Душа отходит на второй план, красота теперь неразрывно связана с телом. Вместо тонких, стройных, подвижных фигур торжествуют могучие тела с роскошной полнотой. В моду входит золотисто-рыжий цвет волос, который позже стали называть «цветом Тициана». Типичной крестьянской женской одеждой была рубашка, отрезной лиф и широкая длинная юбка. Одежда становится свободной - с широкими рукавами, с разрезами для удобства движений на линии талии и рукавах. В женском платье появляется глубокое декольте. Стали использовать духи, краски для лица. Платья шились из ярких тканей жизнерадостных тонов. Важный элемент женского наряда – платок, покрывающий голову или плечи.
УЗУНДАРА
Наполнен воздух грациозным духом,
Красноречивы руки, чувственная кисть,
Дудук так нежно плачет, дав – тревожит ухо,
Кружатся пальцы рук то вниз, то ввысь.
Это - цветочный свадебный венок,
Его плетет армянская невеста,
В нем есть свой тайный женский уголок,
О нем лишь мягко намекают жесты.
Неповторимый стиль: блестя на лбу, монетки
Располагаются подобно рыбьим чешуям,
Наряд венчает шапочка-таблетка,
Тугие косы вьются по плечам.
Узундара – невесты сольный танец:
Застенчиво крылом то лоб прикрыт, то грудь,
Как будто лебедя смутил запрудный глянец,
Скрыв глубины на миг таинственную суть.
В каждой области и провинции Армении есть свои национальные особенности, в том числе и танцы. И это не случайно. С помощью театрализации в танце выражаются особенности жизни, обычаи, культурные ценности. Армянские танцы – это своего рода выражение характера народа. Каждый шаг, каждый взмах имеет определенное значение и отражает историю Армении. Армянские танцы делятся на 3 большие группы: 1) композиции, которые сопровождаются пением; 2) танцы, которые исполняются под аккомпанемент национальных музыкальных инструментов; 3) комбинированные, соединяющие в себе обе манеры.
В языческой Армении танцы имели особое значение. С помощью танцев рассказывалась история и проходили обряды. Ни один армянский праздник не проходит без танца, так как это своеобразный обряд сплочения народа и поднятия духа. «Узундара» - это танец, в котором отображена вся женственность армянской женщины. Женский сольный танец произошел в Арцахи, который был танцем невесты. С этим танцем невеста прощалась с родительским домом и готовилась к новой жизни. «Узундара» - медленный плавный танец, в котором раскрывается вся грация и женственность девушки. Движения скромно-сдержанные, но, в то же время полны достоинства, величавости. «Узундара» дословно означает «тайный свадебный венок»: «уз» - цветочный свадебный венок, надеваемый на голову жениха и невесты, «даран» - тайный уголок. Размер танца 6/8. Мелодичность танца добавляет ему умеренность и снижает резкие движения. В танце есть характерная только для этого стиля плывучая походка. Меняющаяся выразительность мелодии достигается за счет изменения мотивов на двух, трех, четырехчастотные.
Армянскую музыку никогда не спутаешь ни с какой другой. У нее особая мелодика и богатое звучание. В целом эта самобытность достигается за счет звучания оригинальных армянских инструментов, сохранившихся еще со времен раннего Средневековья. Это прототипы скрипки, духовые (дудук, свирель, зурна), ударные (барабан). Дудук очаровывает своим теплым и слегка приглушенным звуком.
История армян начинается с 9 в. с создания Урартского царства. Эта нация постоянно подвергалась нападениям иноземцев и гонениям с освоенных территорий. Захватнические войны перемежались с мирными периодами, когда культура испытывала расцвет. Поэтому костюму армян присущи элементы для ношения оружия, а также детали, заимствованные от одежды народов, с которыми они взаимодействовали: персы, татаро-монголы, византийцы, иранцы, арабы, греки, китайцы. Женский народный армянский костюм традиционно состоял из рубахи, шаровар, платья и иногда передника. Рубашка была белого или красного цвета, с длинными боковыми клиньями и прямыми рукавами, горловина украшена вышивкой. Сверху надевали длинный кафтан яркого зеленого, красного, фиолетового цвета. Головные уборы – это невысокая шапочка из хлопка, впереди лента с цветочным или геометрическим орнаментом. Под шапочкой повязывали ленту с драгоценными монетками. Сверху повязывали белый платок, который закрывал затылок и шею, а еще сверху – зеленый или красный платок. Основные цвета – красный, символизирующий благополучие, плодородие, и зеленый – весну, молодость.
ТАТАРСКАЯ НАРОДНАЯ ПЕСНЯ
Как «назидательно» звучит издалека
Таинственными репликами песня.
Священный аромат с ней навсегда,
Она сосуд его, и проводник, и вестник.
Та песня-символ вводит в мир иной
Домысливания исторических сокрытий,
От древней мифологии седой
До времени спрессованных событий.
В хранилище культур татарского народа,
В архиве памяти – года лишений,
Печать нерасшифрованности кода
Через века запретов и гонений.
И все-таки в той песне – сила волшебства,
Перетекающая из легенд других народов,
Кочующие из сюжетов божества
В виде кикимор, водяных, циклопов.
Есть в песне и естественная красота:
Арабских инструментов колорит –
Бесполутоновая флейты чистота,
«Кубыз», что длительно молитвенно звучит
Монументальность женского наряда навевает
Воспоминание о башне в честь Сююмбике,
Так многослойностью своей напоминает
Вид многоярусного силуэта вдалеке.
Бесшовная туника, распашной камзол
Орнаментом расшит по краю.
Штаны с широким шагом, и, конечно, превзошел
Всех сложный головной убор, не скрою.
На голове носили разной формы покрывала:
Прямоугольник, треугольник иль квадрат,
Под ним платок или повязку надевали.
Венчала шапочка такой триумвират.
Алмаз после огранки - бриллиант,
В искусстве действует закон преображения,
В татарской песне проявляется талант
Аккумулировать черты культурных достижений.
Как «назидательно» звучит издалека
Таинственными репликами песня.
Священный аромат с ней навсегда,
Она сосуд его, и проводник, и вестник.
Описать и четко понять истоки происхождения татарской музыки и татарских песен – очень сложно из-за недостатка правдивой информации. Из источников информации известно, что, когда татары приняли ислам, они стали больше приобщать себя к исламской культуре, поэтому первые упоминания о музыке татар отнесли к волжской Болгарии. Именно в это время стали появляться писатели и поэты, которые фиксировали всю информацию на бумаге. Литература стала самым ярким проявлением исламской цивилизации. Использовались всевозможные каранические и восточные сюжеты. В то же время мелодика татарской музыки, ее орнамент и колорит близки музыке народов, населяющих Дальний Восток. Легкая меланхолия и грусть отличают всю музыкальную культуру татарского народа. Когда татары попали в состав русского государства, то влияние с Востока прекратилось, а Русь и Запад воспринимались, как нечто чужеродное. Татарская музыка варилась в собственном соку до начала 20 в.
Татарские народные напевы объединяют множество общих черт. Наряду с этим они различаются по характеру звучания, содержанию, происхождению из определенной местности, возникновению в среде казанских, астраханских, сибирских и других этнических групп татар.
На народные песни оказали влияние поэзия, верования, языковые особенности. Жанры песенные: баиты, протяжные песни, деревенские и городские, короткие и сложные, такмаки и игровые. Такмаки – это скорые песни, часто исполняются во время танца, являясь как бы музыкально-словесным сопровождением. Обычно это веселые жизнерадостные куплеты типа частушек, с задорным плясовым ритмом и четкой ударной рифмой. Такмакам свойственна простота формы, доходчивость содержания, лаконичность выражения. Такмаки и баиты отличаются тем, что их не поют, а как бы проговаривают. Пение быстрых песен основывается на таких принципах, как ровность темпа, ритмическая четкость движения и сравнительно меньшая импровизационность исполнения.
Основные виды татарской народной музыки – это песни светские и духовные. Они отличаются друг от друга интонационно и ритмически. Баиты, достаны, такмаки (плясовые, игровые) - напевы для двукультовой речитации корана.
В татарской музыке традиционно используются такие инструменты, как кубыз, курай (свистковые), домбра, гусли, гармонь.
Татарская музыка – многоголосна. Звуковая система – пентотоника. Наиболее распространенный вокальный жанр – песня. Песня имеет две формы: короткая и длинная. Основа песен – фольклор сольной традиции.
Татарская народная песня, которая будет сегодня представлена, относится к жанру такмаков, это короткая жизнерадостная мелодия, типа частушек с задорным плясовым ритмом и четкой ударной рифмой. Ей свойственна простота и лаконичность формы, доходчивость содержания. Орнаментальные фигуры песни образуются из звуков пентотоники. При этом сохраняется поступенное движение без скачков. Татарская песня – это уникальная композиция, которая радует слух любого слушателя. Эта песни схожа с восточной музыкой, в ее основе лежит пятизвучная система – пентотоника. Татарская народная песня в жанре такмаки отличается тем, что ее напевают, как бы проговаривая, это музыкально-словесное сопровождение во время танца.
Костюм отражает национальные черты этого свободолюбивого народа. Нет единого типа костюма, т.к. существует немало видов подгрупп татар. На формирование образа костюма оказали влияние восточные народы и поволжские татары. Ткани – яркие восточные, головные уборы – с непростым орнаментом, сложные ювелирные украшения. Шаровары и рубаха-платье – основа костюма. Поверх рубахи надевали кафтан. Верхняя распашная одежда татар не имела застежек, пояс являлся атрибутом национального костюма. Женщины носили шапки цилиндрической формы, а сверху платки и шали. Отличительной чертой татарской одежды была ее трапециевидная форма, а также большой размер и удивительная яркость ткани, большое количество украшений.
КИТАЙСКАЯ НАРОДНАЯ ПЕСНЯ «ЗОЛОТОЙ ЦВЕТОК»
«Все во Вселенной движется равно,
Пространство ты возьми иль время данью,
И все могущество мое я черпаю
Из бездны мирозданья.
Свет моего сознания – венчик у цветка,
А стебель пролегает к духу зазеркалья - Дао,
Преодолением полярных двух начал
Энергию по стеблю продвигаю.
Цветения тогда достигну я,
Когда путь сохранения откроет тайну Света,
И выплеснется в мир мой красота
Из океана бесконечного расцвета.
Потоком проросту энергетических корней
Я в океан прозрачной светлой неги,
Касаньем луковицы пробудить смогу
Свет дивный лепестков на иллюзорном бреге.
В духовном созерцании моем
Пурпурный зал Нефритового города.
Пред троном Света с легкостью плывет
Поток эфирных тел тончайшей нитью провода.
Я - в центре Тишины и Красоты,
В Небесном Сердце, в защищенном круге.
Я погружаюсь и купаюсь с головой
В любовь, разлитой светом золотым в округе.
Познал я тайну жизни – это внутренний цветок,
Он раскрывается, питаясь внешним соком,
Когда свет нисходящий льет
По восходящей линии потока.
Счастливым быть – моя стезя,
Ведь Золотой Цветок есть состояние
И вечной жизни на земле секрет
Любви, гармонии и процветания».
Брызнули красками блестящими сверкая
И звуки музыки из ларцов Дао,
Камень и глина, медь и шелковые травы –
И даже маленькие флейты - сяо.
О чем же музыка? О вечной красоте гармонии,
Напоминающей о звуках чайной церемонии,
Где есть цветущий сад под радужною аркой
И в неге тонкие ландшафты парков?
А может быть о девушке хрустальной
Одетой в облако росиночек кристальных?
О да, она о Золотом Цветке сияющем,
И молодость, и радость обещающем.
Над миром триумфально песня зазвучала,
Китайский символ жизни прославляла.
Движущей силой в создании культурных и художественных ценностей был могучий и яркий талант китайского народа, воодушевленного стремлением отобразить вековые чаяния и помыслы о будущей счастливой жизни. В процессе своего развития китайский народ прошел длившийся тысячелетиями, период бесклассового первобытнообщинного строя. Период существования феодального строя затянулся на три тысячи лет. В китайском феодальном обществе только классовые восстания крестьян были движущей силой исторического развития. Несмотря на деспотический строй, велики были достижения культуры и искусства, в том числе и музыкального. Сохранились многие верные суждения древнекитайских ученых и философов о сущности музыки, о ее глубоком идейном содержании и общественной роли.
Существуют различные виды песен: трудовые, лирические, обрядовые, а также инструментальные и танцевальные наигрыши. Значительное место в этом наследии занимают трудовые песни. Среди них песни лодочников и ремесленников. Немало шуточных песен, песен, рисующих образы природы. Песня Золотой цветок относится к разряду песен, воспевающих любовь к родине. Символом родины является Золотой цветок. Золотой цветок – это триумфальная песня-марш. В этой песне используется тембровое многообразие, плавный переход из одного регистра голоса в другой. Здесь присутствует неразделимое единство поэтического текста и музыки, которое выразилось в имитации разного рода шумовых инструментов. Мелодика китайской музыки – одноголосна, т.к. только при этом условии можно уловить мельчайшие оттенки фразировки и до конца выявить эмоционально-смысловое интонирование текста. Многоголосие представляет собой вариантно-подголосочную полифонию, когда 2-й и 3-й голоса воспроизводят обороты основной мелодии, незначительно варьируя ее. В этой песне воссоздается шумовой фон инструментов, который сопровождает мелодию, как бы следя за ней, образуя ее тень, инструментальное отражение этой мелодии. Своеобразен и ладовый строй – это пентотоника. Программа культовых и дворцовых церемоний тщательно разрабатывалась. Золотой цветок- это песня-гимн, которая как бы исполняется под аккомпанемент оркестра. Своеобразие музыке китайской народной песне придает пентотоника.
Среди инструментов большую роль играют барабаны, гонги, иногда музыка как бы имитирует эти инструменты и приобретает резкое звучание и звучит в очень высоких регистрах. Китайские инструменты, сделанные из разных материалов, придают красочность звуковой палитре. Помимо перечисленных, применяется щипковый инструмент пипа, лютня, струнный ударный инструмент цимбалы, разного рода флейты – сяо, габой, сонна типа зурны, и разные горны.
Музыка отображает гармонию природы с точки зрения музыкальной философии. Музыкальное начало лежит в основе законов вселенной и ими управляет. «Золотой цветок» является символом Китая. Китай – это мултирелигиозная многонациональная страна, в которой 3 основных религий: буддизм, конфуцианство, даосизм. Китай представляет собой смесь религиозных верований, в которые объединялись учеными в одно целое. Официальная религия Китая - даосизм, он берет свое начало в 1 тысячелетии до н. э. Ее основателем является Лао Цзи, который представлял картину мира, где все идет своим чередом, поэтому вмешиваться в его развитие нельзя. Основной идеей является принцип бездействия в процессах развития жизни и сохранения порядка в обществе. Параллельно развивалось другое направление – конфуцианство, которым руководил Конфуций. Эта религия трактовала правила поведения правильного образа жизни. В 1 тыс. н. э. приходит буддизм, который практиковал медитацию. Основным принципом этой религии является правильное поведение человека, его стремление к самосовершенствованию путем медитации. Все эти религии мирно уживаются между собой. Религия Китая своеобразна, ей не присущ религиозный фанатизм, аскетизм и связь человека с потусторонним миром, так как китайские учения не предполагают наличие главного бога и веры как таковой. Конфуцианство учит ответственности человека перед другими людьми, даосизм проповедует личное совершенствование, буддизм развивает концепцию духовного начала.
Название песни «Золотой Цветок» - это основная суть религии Дао. Поэтому мы рассмотрим отдельно учение о Дао. Учение о Дао – это одно из самых загадочных и таинственных учений в истории. Описание земного бытия Лао Дзи – фантастично, похоже на собрание легенд и сказаний. Дао – это путь, дорога, судьба, это абсолютная общность, пребывающая в вечном движении и наполняющая все в этом мире. Главное для каждой личности слиться с Дао, стать частью вечного вселенского движения. Согласно этому учению, две силы - Янь и Инь, где Янь – это твердая яркая мужская активная сила, а Инь – это мягкая пассивная темная женская сила. И взаимодействие, баланс этих сил определяет ход всех жизненных процессов. Они также являются основополагающими понятиями Даосизма. Если в стране все хорошо, можно и не знать, кто у руля. Лучший правитель тот, о ком знают, что он есть и только. Это основные идеи Даосизма. Понятие «Золотой цветок» означает свет. Религия света пришла из Персии. Чтобы достигнуть состояния Золотого цветка, человек должен придерживаться пути сохранения в течение всей своей жизни. От равномерного взаимодействия Инь и Янь зависит создание Золотого цветка. Только тогда личность после смерти сохраняется. Это учение организовывали школы, где путем медитации усиливали влияние духа на определенные процессы нервной системы. Это влияние способно усиливать, омолаживать и нормализовывать жизненные процессы так, что даже смерть преодолевается таким образом, что она становится гармоничным завершением жизни. Духовная сущность теперь готова к дальнейшему продолжению существования духа тела, созданного из его собственной энергетической системы. Речь идет о цветке, который человек раскрывает в себе путем достижения космического света. Главное – это циркуляция света и поддержка центра. Если оберегать эту истинную энергию, то можно продлить быстро текущую жизнь. Работа над циркуляцией света полностью зависит от обратно текущего движения, при котором мысли собираются вместе. Небесное сердце лежит как бы между солнцем и луной. В пурпурном зале Нефритового города пребывает бог величайшей пустоты и жизни. Это центр пустоты или желтый замок. Небесное сердце – это жилище, а свет – господин. Поэтому нужно заставить свет циркулировать. Это глубочайшая и прекраснейшая тайна. Если заставить циркулировать достаточно долго свет, он кристаллизуется и превращается в духовное тело. Это и есть смысл религии Дао. Если вы можете быть абсолютно спокойны, небесное сердце самопроизвольно себя проявит.
В средневековом Китае, очень активно делившемся на сословия, строго были разграничены типы тканей, расцветки и качество пошива для богатых и бедных. Желтый цвет всегда был цветом императора и его семьи. Прочая знать могла себе позволить носить ярко-красные костюмы, кимоно, из дорогих шелковых тканей. Китайская национальная одежда появилась с расцветом китайской цивилизации. С приходом каждой новой династии детали костюма менялись. Но, тем не менее, национальные наряды жителей этой страны всегда отличались яркостью и оригинальностью. Большое значение придавалось цветам одежды. Все элементы вышивки несли глубокий смысл. Иероглиф орхидеи олицетворял знания, а пиона – богатство. Шелк чаще всего использовался при пошиве костюмов. Национальный китайский костюм очень свободный и состоит из рубахи с широкими рукавами и длинной юбки. Платья – приталенные.