АБСТРАКЦИОНИЗМ
Глава 1. АБСТРАКЦИОНИЗМ КАК НАПРАВЛЕНИЕ В ИСКУССТВЕ ХХ ВЕКА.
ВВЕДЕНИЕ
Абстракционизм, как абсолютно уникальное явление в искусстве, возник не на ровном месте. Можно смотреть на иероглифы великих китайских художников-рисовальщиков школы У или арабеску, состоящую из геометрических фигур, причудливого переплетения линий и завитков, как на что-то абстрактное, то есть отвлечённо, без связи с реальными образами или фактами. Глядя на полотна художников-реалистов, таких, как: Гюстав Курбе, Уинслоу Хомер, Томас Икинс, Илья Репин и другие, в чью задачу входило как можно точнее и объективнее изображать действительность, зритель мог любоваться изображением и сравнивать с оригиналом. Это вызывало определённые эмоции, но все видели только то, что было изображено и не больше.
Почему европейским и американским художникам в конце ХIХ века надоело писать в
реалистичной манере? Что сподвигло их на поиски нового неизведанного стиля?
Это могло быть быстрое развитие научно-технического прогресса, который начал изменять сознание людей - захотелось нового и в искусстве. Или связано с политическими изменениями и борьбой мировоззрений. Но художники-приверженцы абстракционизма решили, что для них форма важнее содержания.
Официальное рождение абстракционизма произошло около 1910 года, и пионерами нового стиля были голландский мастер Пит Мондиан, художники из Восточной Европы Франтишек Купка, Казимир Малевич и Василий Кандинский.
Со временем абстрактное искусство дало жизнь нескольким новым течениям в живописи. Это супрематизм, геометрическая и лирическая абстракции, ташизм, конструктивизм, неопластицизм, абстрактный экспрессионизм, минимализм, оп-арт.
Не обошло оно стороной и графический дизайн.
Целью данной работы является анализ абстракционизма в его историческом развитии. Изучение его специфических особенностей и сути, принципов и методов этого направления, а также степени влияния абстракционизма на графический дизайн.
Предметом исследования данной темы является абстрактный метод как феномен художественной культуры XX века, закономерности его появления и развития его школ.
Объект исследования: абстрактное искусство ХХ века.
Задачами данной работы являются:
- изучить историю зарождения абстракционизма и его особенности;
- провести общий обзор сущности абстракционизма как беспредметного искусства;
- обозначить степень влияния абстракционизма на графический дизайн и его вклад в
мировую культуру;
- коснуться роли абстракционизма в дизайне пользовательского опыта и рекламе;
- изучить различные аспекты и открытия, сделанные художниками-абстракционистами.
Актуальность этой темы заключается в том, что сегодня многие мастера современного искусства, в том числе и графические дизайнеры, пользуются художественными приемами, созданными художниками абстрактной живописи и, благодаря развитию абстрактного мышления, ищут новые оригинальные собственные решения своих задач.
Изучением и исследованием феномена абстракционизма и его вкладе в графический дизайн занимались многие искусствоведы. В работах А.Б. Олива, Т.Е. Шехтер, И.Н. Карасик, М.Ю. Германа, B.C. Турчина представлены принципы анализа искусства ХХ века. Тему понимания абстрактного искусства как тенденции художественного мышления, в котором абстракция стала основным способом формообразования, раскрыли
М. Валяева, B.C. Турчин, А. Наков, E. Андреева, Ш. Дуглас, М. Бессонова, С.П. Батракова. Е.А. Бобринская, О.И. Рожнова, А.С. Шутова и В.А. Крючкова. Они рассматривают новые техники (коллаж), сравнивают художественные стили, прослеживают эволюцию стилистики, источником которой стало авангардное искусство,
освещают проблемы поиска новых средств самовыражения в современном графическом дизайне.
Данная курсовая работа заключает в себе введение, две главы, заключение, список используемой литературы и приложения.
1.1. Зарождение абстракционизма.
Абстракционизм в переводе с латинского языка означает "отвлечённый". Это направление в искусстве, в котором вместо реалистичного изображения автор использует неконкретную форму с помощью плоскости, линии и цветовой гаммы. Как бы заменяет пластической идеей и демонстрирует свои эмоции. Чтобы понять его суть, часто приходится отключать логику, прислушиваться к своим ощущениям и даже философствовать.
Абстрактная живопись появилась на фоне европейского традиционного искусства. Это и картины английского мастера романтического пейзажа Джозефа Тёрнера - предтечи французских импрессионистов(Приложение 1). И "Олимпия" Эдуарда Мане - смелый портрет куртизанки, бросившей вызов античным героиням(Приложение 2). Это работы Сезанна и Матисса, которые проложили путь кубистам и футуристам.
Пионерами абстракционизма были также: Артур Доув - американский художник; Франтишек Кубка - чешский художник, представитель орфизма, который перешёл от реализма к абстрактному искусству; Пит Мондриан - нидерландский художник, один из основателей абстрактной живописи; Франсис Пикабиа - французский художник авангардист и график; Робер Делоне - французский художник, основоположник нового арт-стиля - "орфизма"; Казимир Малевич - советский художник-авангардист, основатель супрематизма.
Огромное влияние на зарождение абстракционизма оказали импрессионисты Поль Гоген, Жорж Сёра , Винсент Ван Гог и Поль Сезанн. В начале ХХ века Анри Матисс и несколько других молодых художников, включая докубиста Жоржа Брака, Андре Дерен, Рауля Дюфи иМорис де Вламинк, произвёл революцию в мире искусства Парижа, создав «дикие», разноцветные, выразительные пейзажи и фигурные картины, которые критики назвали фовизмом(Приложение 3).
Благодаря идее Сезанна о том, что что все изображения природы можно свести к трем твердым телам: кубу , сфере и конусу, Пабло Пикассо написал свои первые кубистические картины.
Считается, что у истоков абстракционизма стоит русский художник и теоретик изобразительного искусства Василий Васильевич Кандинский, один из основателей группы "Синий всадник" - творческого объединения представителей экспрессионизма в начале ХХ века в Германии. Он создал первые абстрактные рисунки в качестве иллюстраций к своему теоретическому труду «О духовном в искусстве». Термин "беспредметное искусство" был заимствован им из творчества Андрея Белого - одного из ведущих деятелей русского символизма и модернизма.[1][2][3].
Из воспоминаний Кандинского следует, что когда он перевернул картину Клода Мане, то в таком виде она показалась ему лучше. Первую свою абстрактную акварель "Без названия" он написал в 1910 году. Сейчас эта работа находится в Национальном музее Грузии(Приложение 4).
В развитии абстракционизма приняли участие последователи Кандинского - Михаил Ларионов и Наталья Гончарова. Они разработали новую теорию - лучизм, или районизм. Это одно из ранних направлений абстракционизма, которое основывалось на идее о том, что человеческий глаз воспринимает не сам предмет, а отраженные им лучи(Приложение 5).
Казимир Малевич, который отображал беспредметное искусство, стал основоположником супрематизма в 1915 году. Это разновидность геометрического абстракционизма, который выражается в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических форм, таких, как прямая линия, квадрат, круг и прямоугольник[4].
Термин "супрематизм" означает превосходство цвета над другими свойствами живописи, как бы освобождая краску от служения другим целям, и картины становились "чистым творчеством".
Под влияние супрематизма попали такие художники, как Ольга Розанова, Любовь Попова, Иван Клюн, Надежда Удальцова, Александра Экстер, Николай Суетин, Лазарь Хидекель, Иван Пуни, Нина Генке, Александр Древин, Александр Родченко.
В 1919 году Малевичем и его учениками была создана группа УНОВИС (Утвердители нового искусства). Председателем творческого комитета УНОВИСа был Лазарь Хидекель.
Для зарождения абстракционизма было несколько причин. Во-первых, это запрос
на перемены в обществе в предреволюционное время и уход от сложившихся традиций в искусстве и в жизни в целом. И абстракционизм, как своего рода экстремизм в искусстве, удовлетворил эту потребность. Во-вторых, в процессе разделения кубизма, экспрессионизма и футуризма появились новаторские решения в пользу отказа от реалистичности, которые и стали основой абстракционизма. Этот стиль обозначил новую эпоху в живописи, что позволило художникам не ограничивать себя в рамках классицизма и выражать своё видение мира в свободной форме.
На начальном этапе абстракционизм подвергался осуждению и критике и получил признание далеко не сразу. Но по прошествии некоторого времени абстрактная живопись нашла своих почитателей, получила признание и заняла достойное место в ряду многочисленных стилей.
1.2. Особенности абстракционизма.
Абстракционизм – это беспредметное направление в искусстве, в котором художники отказались отображать реальность и стали выражать себя абсолютно свободно без необходимости воплощения реальных событий, предметов и явлений. Этот стиль – сочетание уникального и универсального.
По мере своего развития абстракционизм разделился на несколько направлений. В каждом направлении работали свои представители этого искусства.
В абстракционизме можно выделить два конкретных направления: геометрическая абстракция, которая отличается чётко очерченными конфигурациями(Малевич, Мондриан) и лирическая абстракция, в которой композиция организуется из свободно текущих форм (Кандинский).Геометрический стиль характеризуется тем, что в нём присутствуют отчётливые формы, цветные плоскости, прямые и ломанные линии, которые образуют определённые композиции. Термин «геометрический стиль» впервые появился в 1870 году, когда были открыты дипилонские амфоры, поразившие археологов совершенством формы и росписи. (Приложение 6).
Внутри геометрической абстракции в 50-е годы зародилось новое течение - оптическое искусство или Оп-арт. Художники, работающие в этом направлении
стремились к созданию сложных оптических иллюзий при помощи цвета, формы и повторения геометрических узоров. Основоположником Оп-арта был Виктор Вазарели, который работал во Франции с 1930 по 1997 год(Приложение 7).
Постепенно появляются новые виды абстракции: криволинейная абстракция –основанная на образцах кельтской живописи; цветовая – на яркости цветов; жестикуляционная – где краски наносятся быстрыми, прерывистыми мазками.
Для лирической абстракции характерны стремление к прямому выражению эмоциональных и психических состояний художника и импровизация исполнения. Принято считать, что основоположниками лирической абстракции были Аршиль Горки и Андрей Ланской. Художественное движение Abstraction lyrique зародилось в Париже после войны и было названо искусствоведом Жаном Жозе Маршаном и художником Жоржем Матье в 1947 году. Это движение стало результатом конкуренции между двумя школами: Парижской и новой нью-йоркской школой живописи абстрактного экспрессионизма, представителями которой были Джексон Поллок - американский художник, идеолог и лидер абстрактного экспрессионизма, а также Марк Ротко - один из создателей живописи цветового поля.
Цветовым стилем пользовались художники, которые работали с цветом и сочетаниями цвета, и таким образом доносили до зрителя свои чувства и эмоции. Этот тип представлен художниками Тёрнером и Мане, которые использовали цвет для растворения объекта в круговерти красок.(Приложение 8).
Лирическая абстракция противопоставлялась кубистским и сюрреалистическим движениям, а также геометрической абстракции и открыла возможность самореализоваться художнику. Например, бельгийский художник Луи Ван Линт перешёл от геометрической абстракции к лирической и в ней преуспел.
В марте 1951 года в галерее Nina Dausset была проведена большая выставка,
где впервые были представлены французские и американские художники абстракционисты. Она была организована критиком Мишелем Тапи, чья роль в раскрытии нового движения имела первостепенное значение. Этими событиями он заявил, что «рождается лирическая абстракция».
Американская лирическая абстракция возникла в Нью-Йорке, Лос-Анджелесе,
Вашингтоне, округ Колумбия, а затем в Торонто и Лондоне в 1960—1970-х годах.
Она характерна спонтанным выражением, случайными изображениями и свободным обращением с краской. По сравнению с геометрической абстракцией, живопись становится романтичнее и чувственнее, а краски мягче и ярче.
Также в абстракционизме есть еще несколько крупных самостоятельных течений: кубизм; лучизм или районизм; неопластицизм; орфизм; супрематизм; ташизм и абстрактный экспрессионизм.
Авангардистским направлением в изобразительном искусстве является кубизм, в котором художник как бы пытается раздробить реальные объекты на стереометрические примитивные части(Приложение 9). Пабло Пикассо, Жорж Брак, Хуан Грис, Поль Сезанн и Фернан Леже являются самыми яркими представителями кубизма.
На cмещении световых спектров и светопередачи в абстрактном искусстве основан лучизм(районизм). Идея этого течения заключается в том, что человек воспринимает не сам предмет, а сумму лучей, идущих от источника света, отраженных от предмета (Приложение 10). Художники, работавшие в этом направлении: Михаил Ларионов, Наталья Гончарова, Михаил Ле-Дантю, Сергей Романович, Александр Шевченко.
В 1917—1928 гг. в Голландии существовало течение неопластицизм, которое объединяло художников, группировавшихся вокруг журнала «De Stijl» («Стиль»).
Характеризовалось компоновкой крупных прямоугольных плоскостей, окрашенных в основные цвета спектра(Приложение 11). В этом стиле работали художники: Пит Мондриан, Барт ван дер Лек, Тео ван Дусбург, Жорж Вантонгерло, Феликс дель Марль,Фриц Гларнер, Фридрих Фордемберге-Гильдеварт, Казар Домела и другие.
Орфизм - это направление во французской живописи 1910-х годов. Художники-орфисты стремились выразить динамику движения с помощью взаимного пересечения криволинейных поверхностей и основных цветов спектра(Приложение 12). Художники орфизма: Робер Делоне, Соня Делоне, Франтишек Купка, Фернан Леже, Франсис Пикабиа, Аристарх Лентулов, Владимир Баранов-Россине, Морган Расселл.
Основателем супрематизма в 1910 году был Казимир Малевич. В этом авангардистском искусстве сочетание разноцветных геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции (Приложение 13). Супрематизм в абстрактной живописи представляли: Казимир Малевич, Александра Экстер, Ольга Розанова, Любовь Попова, Витаутас Кайрюкштис, Эль Лисицкий.
Ташизм — течение в западноевропейском абстракционизме 1950—60-х годов, получившее большое распространение в США. Представляет собой живопись пятнами и не создаёт реалистичных образов, а только выражают бессознательную активность художника, который наносит на холст мазки, линии и пятна быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана(Приложение 14). Видными представителями течения были Жан-Поль Риопель, Вольс, Жан Дюбюффе, Пьер Сулаж, Никола де Сталь, Ханс Хартунг, Герард Шнайдер, Серж Поляков, Жорж Матьё и Жан Мессажье.
Движение художников, рисующих быстро и на больших полотнах с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций, называется абстрактным экспрессионизмом.
Экспрессивного стиля придерживаются художники, которые стремятся привнести в
свои произведения динамику, движение, посредством которых передают эмоции и ощущения. Оттенки, линии и формы при этом отходят на второй план. Экспрессионизм зародился в первые десятилетия ХХ века в Германии и Австрии.(Приложение 15). Художники, работавшие в направлении абстрактного экспрессионизма: Ганс Гофман, Энн Райан, Марк Тоби, Мордехай Ардон, Джок Макдональд, Брэдли Уолкер Томлин, Луиза Невельсон, Джек Творков. Среди российских художников крупнейшим представителем абстрактного экспрессионизма считается Евгений Михнов-Войтенко, работавший в 1950—1980-х годах.
1.3. Суть абстракционизма.
Характерными чертами абстракционизма стало полное отрицание изображения
реальной действительности и новаторские цветовые решения. Абстрактное
искусство любят не все, так как бывает сложно понять его смысл. Поэтому
простота и доступность изображения могут помочь понять внутренний мир автора,
который видит по-своему окружающие его предметы с точки зрения формы и цвета.
Это позволяет художнику синтезировать реальность, реализовать её через
абстракционизм и построить «новодел» первозданного хаоса, тем самым давая
зрителю возможность освободиться от влияния норм и догматов и сохранить внутреннюю гармонию.
Для абстракционизма характерно использование исключительно формальных элементов для отображения реальности и не было самоцелью "копировать" действительность.
Кандинский пишет свои картины в стиле лирической абстракции, в которой формы
не имеют явных границ, как бы перетекают одна в другую, а основное значение
имеет цвет.
Суть абстракции состоит в том, что художник должен искать способы слияния
музыки и живописи параллельно с наукой и философией. Его главная задача - заставить людей чувствовать, ощущать, испытывать эмоции, глядя на картины.
Каждый видит в абстрактном произведении что-то свое, индивидуальное.
Василий Кандинский, будучи ещё молодым художником, задумал осуществить подобное с помощью холста и красок. Именно музыкальные произведения подтолкнули художника к появлению первых образцов абстрактной живописи. Опера Вагнера «Лоэнгрин» и концерты композитора Арнольда Шёнберга из Вены стали толчком к появлению первых образцов абстрактной живописи, а именно картина «Импрессия III (Концерт)».
Кандинский говорил, что, начав работать маслом, слышал «шипение смешиваемых красок». Московский закат для него был цветовой симфонией.
Художник стал пропагандистом нового живописного стиля и написал книгу «О духовном в искусстве», опубликованную в 1911 году[4].
Казимир Малевич разработал эскизы костюмов к опере "Победа над Солнцем", которая состоялась в декабре 1913 года в Петербургском "Луна-парке". Во время работы над постановкой оперы ему пришла мысль о "Чёрном квадрате", так как половина задней декорации, выкрашенной чёрной краской, выглядела как квадрат.
Однажды Малевич увидел гимназиста с чёрным квадратным ранцем на спине, и у него сложилось впечатление, что этот квадрат живой. Впоследствии картина "Чёрный квадрат", написанная художником в 1915 году, стала живописной заявкой на создание нового течения - супрематизма.
Робер Делоне - талантливый художник-новатор тоже стремился создавать живописные симфонии. Он пытался связать живопись и музыку, стал использовать закономерности музыкальных ритмов для передачи оттенков и цветов. И течение в абстракции, которое он создал вместе с женой Соней Делоне, орфизм с его криволинейностью и ассиметричностью, было названо в честь Орфея, певца и музыканта Древней Греции (Приложение 16).
Глава 2. ВЛИЯНИЕ АБСТРАКЦИОНИЗМА НА ОПРЕДЕЛЁННЫЕ ВИДЫ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО
ИСКУССТВА
2.1. Абстракционизм в графическом дизайне.
Русская культура начала ХХ века ознаменовалась кардинальной трансформацией
искусства - в культуре России зарождается русский авангард и рождается
абстракционизм.
Практически весь предметный мир человека охватывает дизайн, который используется
от создания украшений, арт-объектов до цифровых разработок в медиа-индустрии.
Современная медийная среда - интернет, предоставляет большие возможности
приобретать знания и новые навыки.
Дизайн - это соединение художественной эстетики и технологичности. Для дизайна
важна работа с художественным образом, который содержит в себе культурное и
эмоциональное содержание. Возрастающая конкуренция на мировом рынке требует
от графического дизайна большого разнообразия форм и образов, и главной
задачей дизайнера ХХ века - создание эксклюзивного образа. При решении таких
задач дизайнер может пользоваться прошлыми наработками, а также создавать
новые самостоятельные решения. Поэтому дизайнеры постоянно обращаются к
искусству авангарда, в частности к абстракции.
Несмотря на подъёмы и падения в своём развитии, а также изменение методов и задач, абстракционизм сохранил традиции и верность идее не изображать реальность.
В 1910 году В. Кандинский открывает новое течение неоабстракционизм, который должен был оформить абстрактную живопись в самостоятельное произведение, не ограниченное симметрией, абсолютно чистую и без какого либо смысла[5].
На его фоне появляются неопластицизм П. Мондриана, динамический супрематизм К. Малевича, ташизм, минимализм, Оп-арт вплоть до концептуализма 60-70 гг.
В работе " От кубизма и футуризма к супрематизму" К. Малевич обозначает супрематизм началом новой культуры[6]. И действительно, сегодня виртуальная реальность, которая создаётся на базе компьютерной графики напоминают супрематизм: простые геометрические плоскости на белом фоне.
В живописи П. Мондриана соблюдается строгий геометрический порядок и чистая абстракция, которые отражают суть индустриального общества. Виктор Папанек, американский промышленный дизайнер, писал: "Квадратные белые полотна Пита Мондриана, разлинованные тонкими чёрными полосками с двумя-тремя окрашенными в основные цвета квадратами или прямоугольниками, динамично сбалансированными, вполне могли быть продуктом машинного производства. В самом деле, компьютеры в Базеле, Швейцарии, делали полотна а-ля Мондриан. Если бы он дожил и увидел графические программы компьютеров, то счёл бы их очаровательной новой игрушкой. Судя по следам на его белых незаконченных работах, мы можем отметить, что П. Мондриан сам следовал модели компьютерного поведения, а творческий процесс заключался в принятии решения на эстетическом уровне. Пит Мондриан писал кар-
тины так, будто сам был компьютером, делал эту работу с чувством юмора и азартом [7].Со временем его "механистическое искусство" было применено при разработке мебельного дизайна, оформлении выставок и в архитектуре. Такое повторилось с супрематизмом К. Малевича, его стиль был использован в графическом дизайне при изготовлении тканей, плакатов и брошюр.
После написания "Чёрного квадрата" К. Малевич выходит к концептуальному искусству с текстом на картине. Он пишет: "Вместо писания хат и уголков природы лучше написать "Деревня", и у всякого возникнет она с более подробными деталями и охватом всей деревни"[8].
Во второй половине ХХ века работали такие концептуалисты как: Р. Раушенберг,
И. Кляйн, Дж. Кошут, которые ставят перед собой задачу привлечь внимание зри-
теля, создать у него недоумение. Примером может служить выставка И. Кляйна "Пустота", которая состоялась в 1958 году в Париже. На ней не выставили экспонаты, а только написали вход и выход - приём "пустого действия".
Сегодня такие концептуальные приёмы могут быть использованы в дизайне обложек книг и журналов, а также плакатов с целью не отвлекать излишеством. В моде минимализм, белые и цветные плакаты и журналы без излишеств.
В Америке абстракционизм стал популярным в конце ХХ века. Американские художники используют геометрию и цвет, на первом месте у них энергия самого искусства. Человек как бы видит самого себя в художественном произведении: " От искусства каждый получает ровно столько, сколько он вкладывает в него сам, но только не в развитом виде. Потому что искусство имеет дело не с одним только умом подобно науке, а с сокровенной сущностью человека, а в этом случае каждый человек означает лишь то, кем он является"[9].
Только через 20 лет нашлось решение изображения с помощью графического дизайна.
В наше время быстрыми темпами развиваются цифровые медиа: компьютерные игры,
веб-сайты, мультимедиа, компьютерная анимация, цифровое видео. Сегодня художнику с помощью компьютера достаточно заниматься только процессом создания - визуализацией. А.Н. Лаврентьев так описывает специфику культуры того времени: "Само творчество рассматривалось как опыт...Искусство представлялось областью науки как предтеча компьютерного искусства художественной системы. Наука же становилась видом творчества, поскольку всё в ней оказывалось относительным, гибким, подвижным. Искусство и наука оказались близки для художников по своим методам познания"[10].
Компьютер позволяет искать и моделировать новые приёмы абстракционизма.
Сегодня дизайнер решает сложные задачи. Во-первых, он должен выполнить требования заказчика, а во-вторых, выразить собственное видение поставленной задачи с учётом опыта прошлого. В этом случае могут родиться новые интересные решения.
Графический дизайн - это художественно-проектная деятельность по созданию гармоничной и эффективной визуально-коммуникационной среды. А именно выражение идей и смыслов через статические изображения и анимацию, формы и линии, размер
и пространство, цвет и текстуру, шрифты, которые складываются в целые образы.
Он вносит инновационный вклад в развитие социально-экономической и культурной сфер жизни и формирует визуального ландшафта современности. А сам абстракционизм лежит в основе дизайна. Графический дизайнер может работать в издательстве, в рекламном, брендинговом, креативном агентстве, маркетинговом или PR отделе компании, в дизайн-студии, на фрилансе. Он создаёт абстрактную форму таким образом, чтобы она дошла до потребителя. Это: искусство и иллюстрации; визуальная идентификация бренда; дизайн окружения; рекламная графика; моушн-дизайн; пользовательский интерфейс (UI); дизайн упаковок; печатные и электронные публикации. С помощью беспредметного искусства графический дизайнер предоставляет потребителю возможность перерабатывать графическую информацию, фантазировать, искать новые смыслы и делать дополнительные выводы. Таким образом происходит процесс формирования пользовательского опыта.
Понятие UX-дизайна - пользовательского опыта было введено доктором Дональдом Норманом, исследователем когнитивистики, который описал возможность использования дизайн-мышления при взаимодействии потребителя с рекламами различных компаний [11]. Главной составной частью UX является юзабилити или удобство и простота использования. Целью юзабилити является тестирование для определения удобства веб-страницы, пользовательского интерфейса или устройства, вовлечение пользователя, визуальная привлекательность и уникальность продукта. Это важнейший показатель качества для продвижения продукта[12]. Юзабилити-специалист – собирательное название ряда профессий. Самые распространённые из них – UX-дизайнер и UI-дизайнер. UX-дизайнер (user experience или пользовательский опыт) занимается поиском работоспособных и удобных для пользователя механизмов работы (сайт, мобильное приложение и пр.).
Опыт пользователя продукта таких дизайнеров включает в себя убеждения и предпочтения, эмоции, ощущения, физическое и психологическое состояние человека на основании предшествующего опыта, индивидуальности и навыков. Они возникают до, во время и после использования системы и суть ценности такого опыта заключается в соответствии функций потребностям человека. Совместное творчество дизайнера и потребителя с использованием элементов, кодов и знаков, позволяет упорядочить собственный опыт человека.
Графический дизайн в рекламе требует от автора всесторонних знаний и опыта для решения задачи визуальными средствами. В разное время и в конкретных исторических, культурных и экономических условиях в обществе он отражает стиль эпохи. Сферы рекламы и дизайна друг с другом тесно взаимосвязаны. Над рекламным дизайном работает как правило большая команда специалистов компании, которая разрабатывает средства для визуализации образцов товара, постоянно ищет
новые средства выражения своего замысла, чтобы привлечь внимание покупателя.
Для этого дизайнеры пользуются уже прошлым пользовательским опытом, чтобы сформировать целостный образ рекламы[13].
Абстракция проникла во все виды дизайна, даже в фотографию, которая может быть самостоятельной продукцией или частью другого дизайна, например, шрифтового плаката(Приложение 17). Текст картины К. Малевича без дополнительных элементов представляет собой самостоятельное произведение[14]. Супрематизм К. Малевича с его чёткими линиями, контрастными цветами и геометрическими формами упрощают дизайн и наполняют его новым смыслом. Эксперимент с цветом и геометрическими линиями показан на логотипе Института Генплана Москвы(Приложение 18).
Идея супрематического течения была заложена при создании дизайна транспорта, декорации тканей для трибун, различных вывесок. Вершиной стиля стал плакат Э. Лисицкого "Клином красным бей белых", на основе которого создавались различные логотипы и коллажи(Приложение 19).
В массовой культуре с помощью графического дизайна претворяются в жизнь такие тренды, как мода, общественное мнение и актуальная повестка. Это осуществляется в дизайне упаковки. Простота упаковки и минимализм её оформления позволяет человеку без напряжения ориентироваться в изобилии форм и цветовых решений
и предпочтение отдаётся "дизайну без дизайна"[15], т.е. упаковка не говорит ничего, но говорит всё(Приложение 20). Как правило именно такая упаковка привлекает больше внимания своей простотой.
2.2. Абстракционизм в живописи.
Как описывалось выше, абстрактное мышление в ХХ веке стало настоящим феноменом. Появление авангардизма в западной культуре и в России зародилось как
реакция на прежнюю традицию и стремлении изменить мир. В. Кандинский пишет:
"Мы получаем безусловное подтверждение наших предположений о существовании
единого корня всех явлений, выходящих на поверхность предельно различными и
совершенно оторванными друг от друга"[16]. К. Малевич утверждает о том, что
традиционная живопись уже не может дать ничего нового: "О живописи в супрематизме не может быть и речи. Живопись давно изжита, и сам художник - пережиток прошлого[17].
Первые абстрактные произведения искусства создают художники-пионеры Европы
и США в 1910 году. Это: Василий Кандинский, Артур Доув, Франтишек Купка, Пит Мондриан, Франсис Пикабиа, Робер Делоне, Казимир Малевич.
В. Кандинский стал художником под влиянием импрессионистов. Конкретно под впечатлением картины Клода Мане "Стог сена". Он пишет: "И чем дальше идёт
время, тем сильнее притягивает меня к себе старая и прежде безнадёжная любовь
к живописи"[18]. В 1911 году он пишет знаменитый трактат "О духовном в искусстве", и окончательно переходит в своём творчестве к чистой абстракции. Со временем получает всемирное признание, как один из лидеров абстрактного искусства. После себя художник оставил богатое наследство в виде лирического абстракционизма. Это такие картины, как: «Мурнау — пейзаж с зелёным домом»; «Картина с белыми линиями»; «Церковь в Мурнау»; "Мурнау. Радуга" и другие(Приложение 21).
Артур Доув - американский художник, один из первых абстракционистов США.
Был известен как талантливый художник-иллюстратор. Находился под влиянием творчества Анри Матисса и французских фовистов. С 1911 года пишет свои
первые абстрагированные картины-пейзажи и серию пастельных рисунков под
названием Десять заветов (Ten Commandments). В разное время Доув пишет
такие картины: "Рифы" - 1911 г.; "Паруса" -1912г.; "Sol d'Argento" - 1929 г.
и другие (Приложение 22).
Чешский художник Франтишек Купка, один из первых представителей орфизма,
который перешёл от реализма к абстрактному искусству. Он иллюстрировал
книги, оформлял плакаты, был автором сатирических рисунков в газетах и
журналах.
Переход к абстракционизму обозначился у Купки в полотне 1909 года «Клавиши пианино, или Озеро». Влияние фовизма и пуантилизма у него просматривается в работах, созданных в 1910-1911 гг. С 1936 года выставлял свои картины на выставках кубистов. Его работы - это «Красные и синие круги»; "Диски";
"Двуцветная радуга"; «Кафедральный собор»; серия работ "Синтез"(Приложение 23).
Пит Мондриан - нидерландский художник, который одновременно с Кандинским и Малевичем положил начало абстрактной живописи, преподавал рисование в начальной школе и писал пейзажи в духе импрессионизма. Увлёкся кубизмом и пропагандировал неопластицизм. Призывал к «денатурализации» искусства, к отказу от естественных форм и переходу к чистой абстракции. Его картины, состоящие из горизонтальных и вертикальных линий, а геометрические плоскости закрашивались красным, синим и жёлтым цветами, что символизировало равновесие сил в гармонии мироздания(Приложение 24). Творчество Мондриана оказало большое влияние на современников и породило новые направления в живописи и графике.
К избранным работам Пита Монндрмана относятся: "Амариллис" (1910); "Эволюция" (1910–1911); "Красная мельница" (1910—1911); "Серое дерево" (1911); "Горизонтальное дерево" (1911); "Натюрморт с имбирным горшком I" (1911);
"Натюрморт с имбирным горшком II" (1912); "Эвкалипт" (1912); "Яблоня в цвету" (1912); "Деревья" (1912—1913); "Строительные леса" (1912—1914); "Океан 5" (1915).
Французский художник-авангардист и график Франсис Пикабиа стал известным, благодаря эксцентричности и оказал большое влияние на современное искусство. В частности, на дадаизм и сюрреализм. На протяжении жизни часто менял свой творческий стиль, но начинал, как пейзажист-импрессионист. С 1902 года сместился в сторону красочного и вызывающе яркого («испанского») стиля фовистов. Затем переходит к кубизму и геометрической абстракции, от которых тоже отказывается, и создаёт цикл картин со своим личным стилем. Их можно назвать "механическими чертежами" с добавлением ярких и бессмысленных на первый взгляд деталей. В картинах художника, который отображал парадоксальные черты человеческих форм, просматривался эпатаж и сарказм.
Как абстракционист, оставил после себя известные работы: «Танцовщица в атлантическом круизе» (1913 год); «Парад любви» (1917); «Дочь, рождённая без матери» (1917); «Дитя-карбюратор» (1919)(Приложение 25).
Одним из основоположников (вместе со своей женой — Соней Терк-Делоне) нового
арт-стиля — «орфизма», был французский художник Робер Делоне. Как живописец,
он начинал под влиянием постимпрессиониста Поля Сезанна. В его картинах чувствуется движение и ритм, динамика цвета. С 1912 года вместе со своей женой Соней Терк-Делоне пришёл от кубизма к своеобразной манере абстрактной живописи - орфизму. Известен работами: "Эйфелева башня с деревьями" (1910); "Марсово поле: Красная башня" (1911—1923);"Одновременные окна" (1912); "Футбол" (1916); "Португалка" (1916); "Обнажённая с книгой" (ок. 1920); "Круговые формы" (1930); "Ритмы: Радость жизни" (1930) и "Бесконечный ритм" (1934)(Приложение 26).
Основоположником супрематизма — одного из крупнейших направлений абстракционизма, был Казимир Малевич - российский, украинский и советский художник-авангардист. Первую свою картину "Лунная ночь" он написал в технике масляной живописи. С февраля 1911 года принимал участие в различных выставках в России
и Германии, оформил ряд футуристических изданий. В декабре 1913 года задумал образ чёрного квадрата, который написал в 1915 году. Картина была впервые выставлена в Петрограде 1 января 1916 года и имела большой успех. По задумке
художника она входила в триптих, в который входили «Чёрный круг» и «Чёрный крест». В декабре 1919 года в Москве открылась первая ретроспективная выставка художника: «Казимир Малевич. Его путь от импрессионизма к супрематизму».
Представленные на ней полотна в стиле супрематизма были поделены по цвету:
чёрный, цветной, белый и в завершение - чистые холсты в подрамниках как манифестация полного отказа от живописи.
За время своего творчества К. Малевич написал четыре картины "Чёрный квадрат", последняя из которых хранится в Эрмитаже.
Технику живописи К. Малевича исследовали искусствоведы и рентгенологи.
Они пришли к выводу, что художник применял наложение красок одна на другую
для получения особого рода цветовых пятен. Например, для получения красного
пятна Малевич использовал два красочных слоя - нижний чёрный и верхний красный. В этом случае благодаря свету красный цвет приобретал оттенок темноты.
Знаменитые картины художника: "Чёрный квадрат"; "Белое на белом"; "Чёрный
круг"; "Красный квадрат"; "Скачет красная конница" и "Супрематическая композиция" (Приложение 27).
В середине ХХ столетия (в 40-50-х гг.) центр абстрактного переместился в США благодаря миграции многих художников из Европы. Живописцы так называемой
"нью-йоркской школы" выбрали своим методом не только "бессознательность", но
и автоматизм творчества и "живопись действия". Композиция становилась самостоятельным объектом и не была связана с реальностью.
В эту школу входили такие художники, как: Джексон Поллок, Марк Ротко, Барнет Ньюмен, Клиффорд Стилл, Марк Тоби, Франц Клайн, Виллем де Кунинг, Аршиль Горки.
Джексон Полок - американский художник, идеолог и лидер абстрактного экспрессионизма, который своим творчеством оказал большое влияние на искусство второй половины ХХ века. Он не пользовался мольбертом и изобрёл новую
технику: на огромные холсты, которые лежали на полу, разбрызгивал жидкую
краску кистью, не прикасаясь к полотну. Такую технику капельного орошения
назвали "капельной живописью" или «дриппингом». Художник мог работать со всех сторон и находился как бы внутри картины, которая начинала жить своей жизнью.
Вот несколько значительных работ автора картин: «Мужское и женское»; «Волчица»; «Мерцающая субстанция»; «Сближение»; «Осенний ритм»; «Синие столбы».
Марк Ротко - американский художник, ведущий представитель абстрактного экспрессионизма, один из создателей живописи цветового поля. На ранние
работы Ротко оказал очень большое влияние художник Макс Вебер, работавший
в стиле кубизма. После чего М. Ротко стал воспринимать искусство как инструмент эмоционального и религиозного самовыражения. Позже художник впечатлился живописью Мильтона Эвери - американского художника-модерниста, после чего картины М. Ротко стали приобретать сюжет и цвет. "Мы начинаем с цвета", - писал художник, который считал, что модернист должен, как ребёнок, не задумываясь, выражать свои ощущения формы, не вкладывая в работу интеллект. Сам живописец сознательно приближал своё творчество к детскому рисунку. В дальнейшей своей работе он начал упрощать картины до нескольких цветных плоскостей, и свою цель видел в "простом выражении сложной мысли". На поздние работы Ротко повлияло творчество абстракциониста Клиффорда Стилла. Уже как абстракционист, Ротко проявил себя в 1945 году в картине «Медленное кружение на краю моря»(Приложение 28). В позднем периоде творчества художник в своих работах использовал контрастные симметричные прямоугольники, которые как бы сливались с основой картины.
Известные работы художника: "Медленный водоворот на краю моря" (1944); "Архаичный идол" (1945); "Фантазия" (1945); "Щупальца памяти" (1946); "Желтый, Вишневый, Оранжевый" (1947); "Мультиформный" (1948).
Видный представитель абстрактного экспрессионизма американский художник Барнетт Ньюман создавал свои работы в виде одноцветных поверхностей, как бы «прошитых» контрастными основному тону цветными линиями(Приложение 29).
Он был предшественником минимализма и экзистенциалистом. Считал свои работы
с богатым эмоциональным содержанием, хотя при жизни его критиковали и не понимали. К избранным работам автора относятся следующие полотна:
«Заповедь», 1946—1947; «Пропасть Эвклида», 1946—1947; «Единство I», 1948;
«Дикое», 1950; «Муж героический и возвышенный», 1950—1951; «Голос огня»,
1967 и «Полночная синева», 1970.
Клиффорд Стилл - американский художник-абстракционист. Один из представителей абстрактного экспрессионизма, который смог отразить в своих работах главный конфликт живописи — ограниченности полотна и безграничности мира. В его картинах не было композиции и чувствовался простор и широта ландшафта(Приложение 30).
Северо-западную школу абстрактного экспрессионизма представлял американский художник Марк Тоби. На его творчество повлияло изучение японской и китайской живописи. Пространство в его работах создаётся тонкими острыми и по-восточному каллиграфическими линиями(Приложение 31). Известные полотна автора:
«Переплетённые» (1959); «Тихоокеанское течение» (1959/1962); «Пространства
Луча» (1960); «Над Землёй».
Франц Клайн - американский художник, представитель абстрактного экспрессионизма. Его первые абстрактные полотна появляются в конце 40-х годов XX столетия и отличаются широким масштабом и контрастным стилем. Художник сам придумывает свою действительность в виде гармоничного сочетания формы и цвета(Приложение 32). К избранным работам художника относятся: «Шеф», 1950; «Мэрион», 1960; «Скрантон», 1960.
Ведущий художник и скульптор второй половины XX века, один из лидеров абстрактного экспрессионизма Виллем де Кунинг, чья индивидуальность сложилась
под влиянием Пикассо и Миро, пошёл по пути примитивизма. Резкими мазками
кисти он создаёт серию "Женщины", разработав так называемые «фигуративные абстракции»(Приложение 33).
Одним из влиятельных американских художников XX века является Аршил Горки.
В своём индивидуальном стиле ( сочетание абстрактной формы с текучей живописной манерой и размытостью контуров) начинает работать с 1941 года.
Наиболее известные картины автора: «Портрет художника и его матери» (1926—1936); «Пейзаж в манере Сезанна» (1927); «Организация» (1933—1936); «Композиция» (1936;1939); «Сад в Сочи» (1943) и другие (Приложение 34).
В Европа в 40-50 гг. ХХ века работали художники Ханс Хартунг, Пьер Сулаж, Жорж Матьё, которые писали в стиле ташизма. Они использовали
неожиданные сочетания цвета с фактурой.
Ханс Хартунг - французский художник пришёл к абстракционизму в 1922 году
в акварельных работах. Увлекался импрессионизмом и кубизмом, рисовал в стиле ташизма(Приложение 35).
Пьер Сулаж — французский художник-абстракционист, один из ведущих представителей ташизма, знаменитый своими картинами, выполненными чёрным цветом. Известность к художнику пришла в 1947 году. Большое влияние на его творчество оказали работы французского абстракциониста Ханса Хартунга, которого, как и Сулажа считали свободным абстракционистом. В 1950-х годах он начал работать с чёрной краской, которую наносил на полотно шпателем, а чтобы придать изображению форму, пользовался ножом и щёткой. И таким образом выработал свой индивидуальный стиль письма. Он пишет: "Когда смотрят на мои работы, видят
свет, который излучают оттенки чёрного. Этот свет исходит из полотна, но
только, когда на него смотрят, то есть вступают в некие отношения с
произведением искусства. И впечатление, которое возникает, шире картины, пространство которой ограничено рамой, вас словно бы втягивает внутрь,
и вы, таким образом, сами становитесь частью полотна"[19].
Сулажа называли "чёрным художником", потому что он писал чёрным цветом
более 70-ти лет и его живопись является уникальным явлением в искусстве
(Приложение 36).
Жорж Матьё - французский художник и основатель школы ташизма, писал в стиле "живописи действия". В работах он выражал своё отношение к различным
историческим событиям. Например, в картинах «Битва при Бувине», «Капетинги повсюду»[20]. Его нефигуративное искусство соответствовало не форме, а духу.
Он создаёт свои огромные полотна благодаря «отсутствию преднамеренности форм и жестов и приоритету скорости исполнения». При этом использует руку и щётку и покрывает полотно краской из тюбика. Его работы отличаются декоративной
красотой и лирикой(Приложение 37).
Известные картины художника: «Памяти маршала Тюренна», 1952; «Коронация Карла Великого», 1956; «Церемонии в честь второго приговора Сигера Брабантского».
В 1960—1970-х гг. популярность приобретают такие абстракционисты, как Бриджет Райли и Виктор Вазарели - представители направления оп-арта. В это же
время возникает постживописная абстракция, которая делает формы геометрической абстракции более мягкими. В этом направлении работали Фрэнк Стелла,
Эльсуорт Келли, Кеннет Ноланд. Пробивает себе дорогу и минимализм в лице
художников Барнета Ньюмена и Сола Левитта.
Одной из крупнейших представительниц оп-арта является современная английская художница Бриджет Райли. В периоды её творчества входили: оптическое искусство, модернизм в изобразительном искусстве и живопись жёстких контуров(Приложение 38).
Избранные картины художницы: "Движение в квадратах", 1961; " Натараджа", 1993;
"Исследование пламени", 1962; "Два блюза", 2003; "Разговор", 1992; "Впуск",
1964; "Пауза", 1964; "По убыванию", 1966.
Виктор Вазарели - французский художник и график начал работать в жанре
живописи с 1944 года. Эго картины объёмны и изображения часто имеют круглую
или эллипсоидную форму и создают иллюзию движения на полотне(Приложение 39).
Работы художника: "Зебры", 1937; "Шахматная доска", 1935; " Вега-200", 1968;
"Алфавит", 1960; "Композиция Карре Рельеф", 1970; "Планетарный фольклор",1963;
" Чейт Пир", 1975; "Орион Грис", 1969.
Фрэнк Стелла - американский художник и известен, как мастер постживописной
абстракции, работал в стиле минимализма и его живопись имела жёсткие контуры.
Он считал, что картина - «плоская поверхность с краской на ней - и ничего больше». Писал "чёрные картины" ("Поднятое знамя" 1959 г.), а в 1960году
начал использовать более широкий спектр цветов, обычно расположенных в виде прямых или изогнутых линий(Приложение 40).
Известные произведения художника: "Абстракция",1956; "Зелёный", 1957; " Черный и оранжевый", 1958; "Харран II", 1967; "Звезда Персии I", 1967; "Куфские ворота",
1968; "Пилица II", 1973№ "Риалларо", 1995.
Одним из главных представителей минимализма, живописи жёстких контуров и живописи цветового поля был американский художник и скульптор Эльсуорт Келли. Большое количество его работ состоит из одного цвета с тонкими линиями и художник считал это совершенством(Приложение 41).
Художник представлен следующими произведениями: "Синий Зеленый Красный", 1963;
"Цвета спектра",1951-1953; "Синий, желтый и красно-оранжевый", 1965; "Зеленая кривая", 2000; "Пейзаж",1953; "Цвета для большой стены", 1951.
В направлении абстрактного экспрессионизма и живописи цветового поля
работал один из крупнейших современных американских художников -
Кеннет Ноланд. Для объёмности изображения применял технику, при которой
рисунок делают акриловыми красками на негрунтованном холсте(Приложение 42).
В основе рисунков Сола Левитта лежит простая идея, выраженная в наборе
логических инструкций. Изображения имеют общий набор элементов с возможными вариациями. Искусство художника иллюстрирует как выглядит мысль, и у зрителя вызывает интеллектуальный интерес(Приложение 43).
Избранные картины художника: "Мазки", 1995; "Волнистые мазки", "Вертикальные мазки кистью", "Дуговые ленты", 1990.
Кризис постмодерна распространился на абстрактное искусство в
1980—1990-х гг. и считалось, что новых течений в абстрактной уже создать невозможно. Действительно, в этот период ничего принципиально нового не создаётся. Работу продолжают художники - выходцы из середины ХХ столетия,
такие, как: Арнульф Райнер, Герхард Рихтер, Джерри Зенюк, Брайс Марден,
Иван Марчук, Бриджит Райли, Сай Твомбли, Эльсуорт Келли, Юрий Злотников.
В жанре неформального абстрактного искусства работает австрийский художник
Арнульф Райнер. В годы своего раннего творчества находился под влиянием
художников-сюрреалистов, но с 1954 года его стиль меняется в сторону
«разрушения форм» и становится близким к боди-арту, объектом которого
является раскрашенное человеческое тело, а содержание раскрывается с помощью жестов и мимики.
Художник использует чернение, закрашивания и перекраски полотен(Приложение
44).
Интересные работа автора: "Попугаи, сакура и бабочки"; "Маска",1978; "Винное Распятие", 1978; "Великие композиторы", "Язык тела", 1973.
Герхард Рихтер - немецкий живописец, который стоял у истоков зарождения направления капиталистического реализма. В творчестве художника сочетаются
две стороны: история и почти фотографическая образность с одной, а также
кризис фигуративности и стремление к абсолютной абстракции – с другой.
Следуя тенденциям реализма, минимализма или концептуализма, художник не
считает себя таковым. Создавая очень красивые произведения, он поддерживает высокий уровень изобразительного искусства. Известные работы Герхарда Рихтера: «Эма (Обнажённая на лестнице)»; «Соборная площадь, Милан»; «Бетти»; «1024 цвета» из серии «Цветовая шкала»; цикл «Абстрактная живопись»(Приложение 45).
Джерри Зенюк - немецкий и американский художник украинского происхождения.
Он является одним из пионеров «аналитической», «фундаментальной» и «радикальной живописи», которая начала развиваться в 1970-х годах в США, а также в Италии и Германии. В своих работах художник глубоко погружается в форму и цвет, даёт возможность зрителю визуально почувствовать эмоции(Приложение 46).
Брайс Марден — американский художник-минималист, в его творчестве преобладают
простые геометрические формы и ограниченная цветовая палитра. Ранние работы художника были одноцветными, но со временем Марден стал использовать больше цветов и мазков не нарушая простоты и сдержанности. От других художников- минималистов его техника отличалась тем, что холст покрывался толстым слоем
энкаустики - краски на основе воска, которая сберегала следы работы
художника(Приложение 47).
Список картин художника: "Посещаемый", 1999; "Драконы",2004; "Выход", 1992;
"Красный Желтый Синий", 1974; "Небраска", 1966.
Марчук Иван Степанович - современный украинский живописец, который В 1970-х
годах ХХ века нашел свой авторский стиль в искусстве, не вписывавшийся в
шаблоны соцреализма. Художник назвал его "плентанизм" - техника живописи,
в которой тонкие переплетенные линии сливаются в изображение, имеют плотную фактуру и состоят из паутинообразных слоев краски. Термин «плентанизм»
происходит от западноукраинского диалектизма «пленантаты» – плести,
заплетать, переплетать(Приложение 48).
Избранные картины художника: "Зацвели травы голубые"; "Выходят мечты из берегов";
"Предостережение"; "Цветная музыка"; " Танец красок"; "Цветение на синем фоне";
"Розовое марево"; "Переплетение мечтаний".
Сай Твомбли — американский художник и скульптор-абстракционист, который
на протяжении карьеры исследовал выразительные возможности надписей, пометок, линий и царапин. Ранние работы выполнял в духе абстрактного экспрессионизма.
Позже его отличительной чертой стали стали рукописные, как граффити, повторяющиеся беспорядочные знаки и символы. Его работы на первый взгляд хаотичны, но при внимательном изучении просматривается порядок, ясность
и широкий диапазон акцентов и чередование напряжения и расслабления.
Известные картины Сая Твомбли. «Леда и Лебедь»; серия «Времена года»; серия «Классная доска»; серия «Бахус»(Приложение 49).
Юрий Савельевич Злотников - советский и российский художник-абстракционист
[21],один из самых первых и последовательных представителей послевоенного беспредметного искусства второй половины ХХ века, и является как бы
наследником живописных систем В. В. Кандинского и П. Мондриана. Абстрактным искусством начал заниматься в середине 1950-х годов. В 1960-х годах разрабатывает свою "сигнальную систему", в которой сочетаются художественный подход и научные методы(Приложение 50).
ЗАКЛЮЧЕНИЕ
Во все времена живописное искусство показывало зрителю конкретные понятные образы. Со временем выделились и другие течения живописи, но они по-прежнему изображали реальность, хотя и видоизменённую в глазах художников-импрессионистов, затем постимпрессионистов и экспрессионистов. В начале ХХ столетия, в 1910 году зарождается новое отдельное направление искусства - абстракционизм. Абстракционизм ознаменовал собой новый этап в искусстве, стал глобальным культурным феноменом, который затронул все значительные явления в нашем обществе. Взамен повествовательному характеру живописи, какой люди привыкли видеть, приходит образно-смысловой. Он стремится с помощью новых авангардных течений влиять на вкусы и мировоззрение людей. Такое искусство называется беспредметным или нефигуративным. Для абстракциониста не важна точная передача реального объекта. Главное значение имеет "смысл", "идея", "понятие", которые стоят за объектом. Художники начинают свободно выражать свои чувства и эмоции, используя формы, линии и цвет. Через созданные работы передают сакральные духовные ценности. Для них важна ассоциация, которую вызывает у зрителя картина индивидуально. В задания художников-абстракционистов входило формирование своего собственного художественного смысла, которым создаются абстрактные понятия. На полотнах нового вида они формируют пространства и формы, устанавливают новые правила и законы, по которым будет работать и развиваться новое поколение художников. Это хорошо отражено в работах В. Кандинского, К. Малевича, П. Мондриана.
Абстракционизм укрепил свои позиции и в дизайне. Развитию дизайна помог супрематизм. В искусстве появляются новые беспредметные течения: минимализм; неопластицизм; концептуализм.
Абстрактное искусство не отвечает на вопрос: что конкретно автор хотел показать на своём полотне, ведь он не знает, какие ассоциации оно вызовет у зрителя. Средствами, с помощью которых автор доносит свои эмоции и мысли, являются
беспредметность, отсутствие чётко обозначенного изображения, геометрические фигуры, линии, объём, цветовые пятна.
Итак, отличительными особенностями абстрактного искусства являются: отсутствие
чётких форм и очертаний предметов; наличие плоских или объёмных геометрических композиций; пластические композиции, перетекающие друг в друга; цветовые пятна
с оттенками разных цветов; наличие знаков и символов с абстрактными понятиями;
хаотические и случайные изображения; наличие кривых линий и завитков; нереальные формы и цвет; скрытый смысл произведения.
Абстракционизм дал дизайну свободу эксперимента над шрифтами, плакатами, иллюстрациями. Простота формы и загадочность содержания беспредметного искусства заполняет информационное пространство и одновременно заставляет
зрителя размышлять. Художники-авангардисты отказались от изображения реальности и перешли к беспредметной и геометрической абстракции[5]. Они призывали убрать из живописи классицизм и оставить только абстракцию для вдохновения и свободы самовыражения. Но их критиковали и многие не считали абстракционизм искусством. Несмотря на это, абстракционизм не потерял своё лицо и заявил о себе как о новом феноменальном течении.
Абстрактное искусство как бы интригует человека и заставляет его включать своё воображение и фантазировать. Это может помочь дизайнеру найти новые интересные графические решения для работы.
Сегодня абстрактная живопись и графика продолжают развиваться и молодые художники-авангардисты ищут свои пути развития, чтобы завоевать внимание и сердца людей.
Абстракционизм продолжает развиваться и в нём появляются новые течения. С появлением интернета образовались новые направления. Это гаффити, когда художник самостоятельно находит стену и рисует на ней без разрешения владельца и мурал - когда настенная монументальная живопись производится на архитектурных сооружениях по согласованию сторон.
СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ
1. Герман М. Миры Василия Кандинского // Об искусстве и искусствознании. — СПб.:
Издательство имени Н. И. Новикова, 2014.
2. Сергей Даниэль. От вдохновения к пефлексии: Кандинский — теоретик искусства // В. Кандинский. Точка и линия на плоскости. СПб.: Азбука, 2017. С. 10.
3. Василий Кандинский О духовном в искусстве. 1911
4. Ракитин В.И. Супрематизм (рус.) // Энциклопедия русского авангарда.—2014.—
Т. III. Кн. 2, Н–Я.—С.261.
5. Турчин В.С. По лабиринтам авангарда. М.: Изд-во МГУ, 1993.-248 с. 5. А.
Майкапар. Музыкальные параллели. М.: Искусство.-2007.- №18.-С.9.
6. К Малевич От кубизма и футуризма к супрематизму. Критический очерк. М., 1915.
- 55 с.
7. В. Папанек. Дизайн для реального мира. М.: Д. Аронов, 2004.-С.77-79.-253
с.
8. К. Малевич. Собр. соч. в пяти томах//Том.1.Статьи, манифесты, теоретические
сочинения и другие работы: 1913-1929/Общая ред., сост., подгот. текстов,
коммент. и примеч. А.С. Шатских. М.:Гилея, 1995.-С.43.-394 с.
9. К.М. Долгов. Реконструкция эстетического в запрадноевропейской и русской
культуре. М.:Прогресс - Традиция, 2004.-С.198.-1040с.
10. А.Н. Лаврентьев. Лаборатория конструктивизма. М.:Грандъ, 2000.-32с.
11. Дж. Уэлен. Дизайн пользовательского опыта. Как создать продукт, который ждут.
М.: Манн, Иванов и Фербер,2021.-272с.
12. С. Круг. Как сделать дизайн удобным. Юзабилити по методу Стива Круга.
С.:Питер,2010.-208с.
13. Л. Геращенко. Психология рекламы: учебное пособие. М.:АСТ:
Астрель,2006.-298с.
14. М. Ван. Эволюция форм плаката как средства графической коммуникации./
Пер. с английского Н.А. Павловой. С.: Академия им. Штиглица.,2008.-С.297-299.
15. П. Бюргер. Теория авангарда. М.:V-A-C press,2014.-200с.
16. В.В. Кандинский. Точки и линия на плоскости. СПб.: Азбука-
классика,2005.-352с.
17. К. Малевич. Собрание сочинений в 5 т. Т.1. М.:Гилея,1995.-393с.
18. Турчин, 1993, с.63.
19. Елена Караева. Пьер Сулаж: пятьдесят оттенков черного.euronews (24 декабря
2019).
20. Модернизм. Анализ и критика основных направлений. Под редакцией В. В.
Васланова и Ю. Д. Колпинского. М.: Искусство, 1980. Издание третье,
дополненное. С.183.
21. Сальников В. Почти первый русский абстракционист // Вечерняя Москва. — 2004.
— 2 марта.